GALOPINA CASA SILVESTRE
ORGULLO YUCATECO
ORGULLO YUCATECO
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Entrevista literaria a los dueños de Casa Silvestre.
Oficialmente publicado en inglés. -
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Fotografiado por Leafhopper
https://leafhopper.eu/Galopina
https://galopina.com.mx/en/
Si algo tiene México es que es un país que acoge al visitante. Amables hasta la extenuación, los mexicanos son los anfitriones que todo visitante quisiera tener. No es de extrañar el boom que el país está viviendo gracias a ello. Tampoco que muchos no sólo hayan decidido quedarse a vivir sino abrir su propio hospedaje para recibir a personas de todo el mundo.
Para Elisa y Guillaume, dueños de Casa Galopina, este lugar no es simplemente un hotel: “Es una casa. Un proyecto de familia. Y como tal, le damos el cuidado que merece y el que merecen nuestras visitas”, resume Elisa. Galopina es el fruto de una vida conjunta, de la suma de dos personalidades fusionadas pero también individuales. “En Galopina hay corazón, sudor de nuestro trabajo y pasión por lo que hacemos. Se trata de una ventana abierta para Guillaume y para mí para poder expresar nuestras pasiones. Para él, la naturaleza, los árboles, el huerto… Para mí, el diseño, la cocina… Y para los dos: el encuentro con nuevas culturas y aventuras a través de nuestros invitados.”
Lo cierto es que ubicar Casa Galopina en un mapa impresiona a cualquiera. Situada en pleno parque natural de Anillo de Cenotes, en Mérida, Yucatán, no se atisba gran actividad humana en los alrededores. No en vano, Casa Galopina se halla sobre 7 hectáreas de terreno donde el vecino más cercano se encuentra a 1 kilómetro de distancia. “El entorno es lo que arropa a Galopina y la arropa muy bien. Es el vestido y espacio ideal en el cual, la casa y la naturaleza hacen un match perfecto. La reserva juega un papel crucial. Podemos ver las aves de diferentes colores por las mañanas, escuchar los grillos y ver el cielo estrellado por la noche”.
“Galopina es un lienzo donde expresar y crear espacios en armonía para la gente que nos visita, donde tengan la experiencia de vivir en una casa mexicana sin caer en el cliché. Hay una anécdota detrás de cada mueble, pues todos los fuimos encontrando aún sin que existiera la casa”
En Galopina, los huéspedes más hedonistas pueden relajarse con un libro de la biblioteca junto a la piscina mientras maridan una cerveza o un cocktail con un poco de guacamole o hummus del ‘honesty bar’. Los más intrépidos, sin embargo, pueden aprovechar que Yucatán es de los principales productores de miel a nivel mundial y dejarse imbuir por las costumbres de la zona cuidando de las abejas. “Las abejas juegan un papel muy importante en la preservación de nuestro medio. Su cuidado es una actividad no lucrativa a la que nuestros huéspedes pueden unirse si así lo desean. Hay días en que sólo se va a ver que todo esté en orden y que no haya invasión de otro insecto. Otros días, se hace la colecta de miel, que sucede sólo tres veces al año. La miel la usamos en la cocina. Tratamos de endulzar todo con nuestra miel, desde aderezos, tartas, pasteles, salsa… También la tenemos en venta para que nuestros huéspedes puedan llevar un recuerdo de su dulce estancia en Galopina”, señala Elisa.
La casa cuenta con un sinfín de elementos personales con los que Elisa y Guillaume han conseguido conectar con quienes les visitan. Nada se ha elegido al azar. “Cada habitación de Galopina ofrece una vista directa a la vegetación silvestre y endémica. Todas las habitaciones son diferentes, los detalles de interiorismo fueron hechos por artesanos, otros por Guillaume y otros por mí”, explica Elisa. Ésta confiesa que el diseño es una de sus pasiones. “Galopina es un lienzo donde expresar y crear espacios en armonía para la gente que nos visita, donde tengan la experiencia de vivir en una casa mexicana sin caer en el cliché. Hay una anécdota detrás de cada mueble, pues todos los fuimos encontrando aún sin que existiera la casa”.
Para los detalles de estructura, Guillaume y Elisa se dejaron acompañar por el estudio de arquitectura TACO. “Queríamos que se le hiciera honor a Yucatán, por lo que era evidente trabajar con un equipo de la región. La creación fue en conjunto pues Galopina es un proyecto personalizado. La idea ya existía y TACO captó muy bien lo que teníamos en mente. El proyecto nos apasiona, por lo que quisimos estar involucrados desde la concepción hasta el final”.
Si México destaca por su profundo arraigo a la tierra, Yucatán es quizá una de las zonas en las que más fuerte puede percibirse ese orgullo. Un apego a la tradición que Elisa y Guillaume quisieron imprimir a Galopina: “Yucatán tiene una gran influencia en la casa. El haberla creado con el taller yucateco TACO fue un gran acierto pues tienen un sello que los distingue y que forma parte de la arquitectura representativa -y prometedora- de la región. En el diseño, la influencia yucateca está presente en los materiales, en la metodología de aplicación de los detalles, en los productos y en la valiosa mano de obra que levantaron paredes, pusieron suelos y colaron nuestros techos. Galopina es 100% yucateca, y estamos muy orgullosos y felices con el resultado logrado”.
GALOPINA CASA SILVESTRE
YUCATAN PRIDE
YUCATAN PRIDE
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Quoting interview to the owners of Galopina Casa Silvestre.
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Photographed by Leafhopper
https://leafhopper.eu/Galopina
https://galopina.com.mx/en/
One thing that everybody can agree on is that Mexico warmly welcomes visitors. Friendly to a fault, Mexicans are the hosts every visitor dreams of having. It’s no wonder the country is booming as a destination. And it comes as no surprise that many visitors have not only decided to stay, but to open their own establishments to accommodate people from all over the world.
For Elisa and Guillaume, owners of Casa Galopina, this place is not just a hotel: “It’s a home. A family project. And as such, we give it the care it deserves and the care our visitors deserve,” says Elisa, in a nutshell. Galopina is the fruit of a life shared, of the sum of two melded but also individual personalities. “We’ve put our heart, sweat and passion for what we do into Galopina. It’s an open window through which Guillaume and I can express our passions. For him, it’s nature, trees, the orchard… For me, design, cooking… And for both of us, it’s the encounter with new cultures and adventures through our guests.”
In fact, just locating Casa Galopina on a map brings a thrill. Located within the Ring of Cenotes State Reserve, close to Mérida, in the state of Yucatán, there is not much human activity in the surrounding area. This is evident because Casa Galopina is set on seven hectares of land where the nearest neighbour is a kilometre away. “The setting embraces Galopina, and does so very well. It’s the ideal covering and space in which the house and nature are a perfect match. The nature reserve plays a crucial role. We can see birds of different colours in the mornings, and listen to the crickets and see the starry sky at night.”
At Galopina, guests who are more given to hedonistic pleasures can relax beside the pool with a book from the library, while accompanying a beer or cocktail with some guacamole or hummus from the honesty bar. The more intrepid, however, can take advantage of the fact that Yucatán is one of the world’s leading honey producers and take in the customs of the area by tending to the bees. “Bees play a very important part in preserving our environment.
Their care is a non-profit activity that our guests are welcome to join if they wish. There are days when you only need to see that everything is in order and no other insects have invaded. While honey is gathered on other days, although this only happens three times a year. We use honey in the food. We try to sweeten everything with our honey, from salad dressings to cakes, pastries, sauces… We also sell it, so that our guests can take home a souvenir of their sweet stay at Galopina,” says Elisa.
“Galopina is a canvas where we express ourselves and create harmonious spaces for the people who visit us, where they can experience what it is to live in a Mexican house without the clichés. There is a story to each piece of furniture, and we went through a process of finding them all even before the house existed.”
Their care is a non-profit activity that our guests are welcome to join if they wish. There are days when you only need to see that everything is in order and no other insects have invaded. While honey is gathered on other days, although this only happens three times a year. We use honey in the food. We try to sweeten everything with our honey, from salad dressings to cakes, pastries, sauces… We also sell it, so that our guests can take home a souvenir of their sweet stay at Galopina,” says Elisa.
The house is filled with countless personal items with which Elisa and Guillaume have managed to connect with those who visit them. Nothing has been chosen at random. “Each room at Galopina provides a direct view of the wild native vegetation. Every room is different; the décor pieces were made by artisans, with others by Guillaume and others by me,” Elisa explains. She confesses that design is one of her passions.
For the structural details, Guillaume and Elisa were assisted by the architecture firm TACO. “We wanted to create something worthy of Yucatán, so it was obvious to work with a team from the region. The design was a joint effort because Galopina is our personal project. The idea already existed and TACO perfectly captured what we had in mind. We are passionate about the project, so we wanted to be involved from conception to completion.” While Mexico is known for its deep relationship with the land, Yucatán is perhaps one of the areas where this pride can be felt most strongly. And this attachment to tradition is what Elisa and Guillaume wanted to imprint on Galopina: “Yucatán has a huge influence on the house.
Having designed it together with the Yucatecan firm TACO was a great success because the stamp they put on their work sets them apart and forms part of the representative – and promising – architecture of the region. The design shows the Yucatecan influence in the materials used, in the methodology behind the application of the design elements, in the products and in the skilled craftsmanship that went into the raising of walls, laying of floors and attaching our ceilings. Galopina is 100 per cent Yucatecan, and we are very proud of and satisfied with the result we’ve achieved.”
A revolution in the form of a work of art
ELVIRA SOLANA
ELVIRA SOLANA
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Profile about artist Elvira Solana.
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Photos by Victor Stonem
victorstonem.comElvira Solana
@elvirasolana -
After spending a sunny August morning with Elvira Solana, I feel like I've met a matryoshka, one of those Russian dolls that, when opened around the middle, reveal smaller figures inside. I approach her, attracted by the beauty of her forms, her embellishments and her colour without knowing that, inside her, there is so much more to be found.
During the hour and half that we sit and chat over a cup of tea on her sea-view terrace, she slowly reveals what is beyond the surface of her exquisite work. And, at the same time, I get to discover the layers to Elvira, who takes great care in explaining her work and with it, herself.
Opening the first one, she tells me that she actually studied architecture in Madrid but before long, thanks to several exchange programs, she began to travel: “I went to India, to Barcelona, then I spent some time in Paris and later went to Istanbul. I have always been attracted to the East. It held a certain intrigue for me and, in the end, it was very enlightening.”
Her travels around the world were a great source of inspiration, giving rise to a creativity that she did not get from her university education: “The academic models we have now are good because they are very democratic, but they also somehow standardise everything. And this is what happened to me, that during the training process, I missed out on the manual aspect, a skill that I felt I could contribute.” This, together with her work in several architectural studios in the middle of the economic crisis, created an internal conflict within Elvira that led her to leave architecture behind. “I started painting and decided to try it for a year to see if it would take off. And it did. At first, I painted birds, plants, etc., but after a while I started to connect architecture and painting without even realising it.” After researching murals throughout history, Elvira began to understand that her training as an architect was not entirely unrelated to her approach to murals. “The first muralists in history were architects. I understood why I became curiously fascinated with combining these two aspects and why it wasn't so far from me and my profession.”
“My commitment to the indoor mural is based on researching the relationship that human beings have with space and privacy”
Following this enlightening realisation, Elvira took her brushes and a backpack and left Cantabria to return to Madrid in search of walls to work on. “You see, sometimes the planets align and that's what happened. I ran into a friend from university who had just bought a house: 'It's been closed for sixty years and we have to refurbish it, but you have six months to try out your work there,' he told me.” After five months of work, Elvira inaugurated ‘Real Estate’, convening several media outlets. She still remembers being full of nerves on the days leading up to it. She slept on a mattress in the middle of that empty house’s living room. “I didn't know if what I was doing was going to work or not. It was a miracle. There are many days when I remember that it was only three years ago. The flat turned out to be an incredible place measuring about 350m2, which I enlarged to 10,000m2. With ‘Real Estate’ I established the principles upon which I was going to base the rest of my career.”
“In murals, as in architecture, you need a first project for clients to trust you”, she explains to me. Her case makes perfect sense in theory, and I tell her that at Openhouse, we were amazed when we found out, through Instagram, about the mural that she had done in the house of a relative in Santo Domingo. And on the subject of privacy and social networks, Elvira opens up a new matryoshka. “My commitment to the indoor mural is based on researching the relationship that human beings have with space and privacy. I don't have WhatsApp, and I only have Instagram for work”, a practice that requires a certain break with the system, a lot of courage and a great deal of obstinacy. “We live surrounded by images that we compulsively consume. But the image expires and dies quickly if it is not supported by an idea. Ideas are the structure. They allow an image to remain in time without being immediately exhausted; this is the purpose of my work”.
A month after our meeting, I know that Elvira, a troubadour of mural architecture, may have had countless new revelations that she has captured in her mock-ups and in her many notebooks, her daily work tools. “These notebooks carry ideas that at some point will be turned into murals. They are ideas that allow me to keep moving forward.” In these times of endless accelerated consumption, meeting someone with an elaborated and meditated discourse like Elvira is a true breath of fresh air. “A mural is an overlapping of two languages: that of architecture, which is three-dimensional and volumetric and implies a movement around it; and that of painting, which is two-dimensional and has a frontal perception. I don't want to resolve the idea of continuity but to question all the conflicts about the perception of the human eye versus the scale of the place or its context.”
Opening the last matryoshka takes me to her studio, just a few metres from the flat where she is staying for the summer. There, she also uses an attic-like room as a canvas where she puts many of her ideas into practice. Few people, she confesses, have seen what is hidden at the top of the tower. When I set one last foot in this space of reverie, I feel that I am entering a new space not governed by the physical rules that apply outside it. Perhaps, I think, this is the true purpose behind Elvira Solana's work: the search for a room of our own that transforms our perspective, pulling us to dream of a new reality.
UNA REVOLUCIÓN EN FORMA DE OBRA DE ARTE
ELVIRA SOLANA
ELVIRA SOLANA
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Perfil acerca de la muralista de arquitectura, Elvira Solana.
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Fotos de Victor Stonem
victorstonem.comElvira Solana
@elvirasolana -
Después de pasar una soleada mañana de agosto con Elvira Solana, me siento como si me hubiera enfrentado a una matrioska. Una de esas muñecas rusas que, abiertas por la mitad, descubren figuras más pequeñas en su interior. Me acerco a ella atraída por la belleza de sus formas, por su ornamentación y por su color sin saber que dentro de ella hay mucho más.
Durante la hora y media que nos sentamos a charlar alrededor de una taza de té en su terraza con vistas al mar, ella misma va extrayendo las capas de madera, desvelando los estratos internos de su exquisito trabajo. Y al mismo tiempo, yo voy descubriendo las capas de la propia Elvira, que intenta con mucho atino explicar su obra y con ello, a sí misma.
Con la apertura de la primera, me cuenta que en realidad ella estudió arquitectura en Madrid aunque en seguida, gracias a varios programas de intercambio, comenzó a viajar: «Estuve en India, en Barcelona, luego pasé una temporada en París y después me fui a Estambul. Siempre he tenido atracción hacia oriente. Tenía cierta curiosidad y fue bastante revelador en realidad».
“Mi apuesta por el mural en interior se basa en la investigación de la relación del ser humano con el espacio y con la privacidad”
Su periplo por el mundo supuso una gran fuente de inspiración; una creatividad que, sin embargo, no le llegó por parte de la formación universitaria: «Los modelos académicos que tenemos ahora están bien porque son muy democráticos pero de alguna manera uniformizan. Y esto es lo que me ocurrió a mí, que en el proceso de formación perdí la parte manual, esa capacidad que es la que yo podía aportar». Algo que, junto a su trabajo en varios estudios de arquitectura en plena crisis económica, creó en Elvira un pequeño conflicto personal que desembocó en una ruptura con la arquitectura. «Empecé a pintar y decidí probar un año para ver si arrancaba. Y arrancó. Al principio pintaba pájaros, plantas… pero después de un tiempo empecé a conectar arquitectura y pintura sin apenas darme cuenta». Tras documentarse sobre el mural a lo largo de la historia, Elvira empezó a comprender que su formación como arquitecta no estaba lejos de su manera de enfrentarse al mural. «Los primeros muralistas de la historia fueron arquitectos. Entendí cuál era el hilo del que estaba tirando y por qué no estaba tan lejos de mí y de mi profesión».
Aquello fue tan revelador que Elvira cogió sus pinceles, una mochila y dejó Cantabria para volver a Madrid en busca de paredes sobre las que trabajar. «Mira, a veces se alinean los planetas y eso es lo que ocurrió. Me encontré con un amigo de la facultad que acababa de comprarse una casa: ‘Lleva cerrada sesenta años y tenemos que reformarla, pero hasta dentro de seis meses tienes tiempo para hacer allí tus pruebas’, me dijo. Después de cinco meses de trabajo, Elvira inauguró ‘Real Estate’, convocando a varios medios de comunicación. Los días previos aún los recuerda llenos de nervios. Dormía en un colchón en medio del salón de aquella casa vacía. «No sabía si lo que estaba haciendo iba a funcionar o no. Fue un milagro. Hay muchos días que pienso que hace sólo tres años de esto. El piso resultó ser un lugar increíble de unos 350m2 que con mi intervención amplié en 10.000m2. Con ‘Real Estate’ establecí los principios sobre los que iba a cimentar el resto de mi carrera».
«En el mural, como en la arquitectura, necesitas un primer proyecto para que los clientes confíen en tí», me explica. Su caso encaja a la perfección en la teoría, aunque en Openhouse nos quedamos maravillados cuando conocimos, a través de Instagram, el mural que hizo en la casa de un familiar en Santo Domingo, le digo. Y a colación de la privacidad y de las redes sociales, Elvira abre una nueva matrioska. «Mi apuesta por el mural en interior se basa en la investigación de la relación del ser humano con el espacio y con la privacidad. No tengo WhatsApp, y tengo Instagram sólo por trabajo». Un ejercicio para el que es necesario cierta ruptura con el sistema, mucho arrojo y una gran obstinación. «Vivimos rodeados de imágenes que consumimos compulsivamente. La imagen caduca y muere rápido si no está respaldada por una idea. Las ideas son la estructura. Éstas permiten que una imagen pueda permanecer en el tiempo sin agotarse inmediatamente y esa es la finalidad de mi trabajo».
Un mes después de nuestro encuentro, sé que Elvira puede haber tenido un sinfín de nuevas revelaciones que esta trovadora de la arquitectura en forma de mural, haya plasmado en sus maquetas y en sus múltiples cuadernos, sus herramientas de trabajo diario. «Estos cuadernos tienen ideas que en algún momento se traducirán en murales y que me permiten avanzar. En estos tiempos de consumo acelerado, enfrentarse a alguien con un discurso elaborado y meditado como Elvira es un verdadero hallazgo. «Un mural es una superposición de dos lenguajes: el de la arquitectura, que es tridimensional y volumétrico e implica un movimiento a su alrededor; y el de la pintura, que es bidimensional y tiene una percepción frontal. Yo no quiero resolver la idea de continuidad sino cuestionarme todos estos conflictos sobre la percepción del ojo humano frente a la escala del lugar o contexto».
La apertura de la última matrioska me lleva a su estudio a escasos metros del piso en el que está residiendo durante el verano. Allí además cuenta con un lienzo en forma de habitación semi abuhardillada donde pone en práctica muchas de sus ideas. Pocas personas, confiesa, han visto lo que se esconde en lo alto de esta torre. Cuando pongo un último pie en este espacio de ensoñación siento que me adentro en un nuevo lugar que no se rige por las reglas físicas del exterior. Quizá, pienso, sea éste el verdadero propósito que se esconde tras el trabajo de Elvira Solana: la búsqueda de una habitación propia que transforme nuestra perspectiva llevándonos a soñar con una nueva realidad.
HAUSER & WIRTH MENORCA
AN ISLAND
WITHIN
AN ISLAND
AN ISLAND
WITHIN
AN ISLAND
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Story about Hauser & Wirth Menorca based on a visit about two months before the opening.
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Photos by Salva López
salvalopez.comHauser & Wirth Menorca
menorca.hauserwirth.com -
In the autumn, when you read this article, little or nothing new will remain to be said about the cultural centre and gallery Hauser & Wirth opened this summer in Menorca. But I'm actually visiting it more than a month before it opens. The exhibition spaces are empty, and in the Cantina, the finishing touches are being added to welcome all those who want to take shelter from the sun and gather their strength in a summer with temperatures that will reach record highs.
It's 8 June 2021, forty days before the centre is to open. My welcoming committee is not the couple for whom the renowned Swiss gallery is named, but rather a new family created in this cosy space in the heart of the Isla del Rey: Luis Laplace, the architect behind the project; Mar Rescalvo Pons, the centre's director; and Marta Coll, head of press and communication. Marta picks me up at the port in Mahón and explains the history of this unique strategic enclave as we sail the waters of the port. She tells me that in 1711, during the period of English rule, Admiral John Jennings ordered a naval hospital be built here so that those wounded in any future conflicts would not have to be taken inland on Menorca. The hospital is still a living part of the island, and the non-profit foundation created to preserve it, 'Els Amics de l'Illa de l'Hospital' (Friends of Hospital Island), is working to restore the central building. Hauser & Wirth is not involved with the work on this building, but rather with an industrial storage complex that was added to the front of the building in 1784 to house the hospital's medical supplies.
We finally land on the Isla del Rey, and under the blazing sun, we meet Luis and Mar. The three members of the team are buzzing with nerves and excitement about explaining the project. The rapport between them is obvious. They finish each other's sentences, joke with each other, and radiate a natural ease that makes me feel almost immediately at home.
The first stop on our tour is in the main courtyard, whose wall splits in the centre to form a perfect square that opens to the outside. “We wanted to highlight the fig tree, as this is the biggest opening in the whole project,” explains Luis. In the cosy little space that serves as the entrance to the gallery, we are greeted by a Louise Bourgeois spider. The midday sun plays with the piece, tracing the insect's body in shadow on the floor and making it crawl up the walls as the hours go by.
“For me, the most interesting challenge was discovering the place, understanding its personality. It’s loaded with history, and that should be showcased rather than denied”
As we tour the different spaces that make up the centre, Luis explains to me that a decade ago, Manuela Hauser and Iwan Wirth - with whom he was visiting the island - discovered the building hidden under weeds, almost completely buried by the passage of time. “The most incredible thing is that you couldn’t see it from the sea. It was completely overgrown. The roofs were in very poor condition. It was a bit of a rogue building that no one had realised was there”, explains Luis. The restoration of the structure was carried out with great care, preserving as many of the original beams and other materials as possible. “For me, the most interesting challenge was discovering the place, understanding its personality. It's loaded with history, and that should be showcased rather than denied”. Being in contact with and nurturing the local community is an essential part of the Hauser & Wirth centre. “Although we have a contemporary art exhibition in the gallery, the rest of the work is focused on joining forces with existing quality cultural projects on the island, creating synergies and increasing what we have to offer”, says Mar.
But the project doesn't end there. The surroundings form part of a dialogue between art and nature that is so typical of the Hauser & Wirth gallery. We stroll among the works by Franz West, Miró and Chillida that inhabit the garden designed by the acclaimed Piet Oudolf. “Piet did a huge job of cleaning up, preserving the local flora and stripping away the rest because, as it happens, the landscape was hidden under several metres of cane and bamboo", says Luis. Over the years, the two have forged a relationship of friendship and mutual respect: "Piet has one thing that I love, and that's that he talks about his garden as being in a state of rest when winter comes. He talks about the death of something and of the beauty hidden in that same time. The end of a season can be a form of movement”.
The breeze rustling through the branches of the olive trees highlights the Mediterranean landscape while gently wearing away at the building and breathing ever more life into its structure. “As a non-architect, one thing that fascinates me about the project is that it manages to make you feel, at all times, the immediate presence of the space that you're in. The island is a beauty in itself, so the landscape you see framed in the windows becomes a work of art”, Mar says.
The three confess to being in love with the humblest of the Balearic Islands, a devotion they share with Iwan and Manuela, who come to Menorca every summer. Marta and Mar were born here. Luis, an Argentinian based in Paris, thinks of himself as a proud adopted son of Alayor, the Menorcan village where he has his second home. Now the three of them have put down roots in this small Isla del Rey, whose imposing past opens a new chapter in history towards a promising future.
HAUSER & WIRTH MENORCA
UNA ISLA
DENTRO
DE OTRA ISLA
UNA ISLAND
DENTRO
DE OTRA ISLA
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Reportaje sobre Hauser & Wirth Menorca a dos meses de su apertura oficial en verano de 2021.
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Fotos de Salva López
salvalopez.comHauser & Wirth Menorca
menorca.hauserwirth.com -
En otoño, cuando se publique este artículo, poco o nada nuevo se podrá decir del centro cultural y galería que Hauser & Wirth ha abierto este verano en Menorca. Pero lo cierto es que yo lo visito cuando aún falta más de un mes para su apertura, los espacios expositivos están vacíos y en la Cantina se ultiman los detalles para acoger a todo aquel que quiera resguardarse del sol y tomar fuerzas en un verano en el que las temperaturas alcanzarán máximos históricos.
Es 8 de junio de 2021, quedan cuarenta días para la inauguración del centro y para recibirme no está el matrimonio que da nombre a la reconocida galería suiza sino una nueva familia creada en torno a este acogedor espacio en plena Isla del Rey: Luis Laplace, el arquitecto que firma el proyecto; Mar Rescalvo Pons, directora del centro y Marta Coll, responsable de prensa y comunicación. Esta última es quien me recoge en el puerto de Mahón y, mientras surcamos las aguas del puerto, me explica la historia de este singular enclave estratégico. Al parecer, en 1711 y bajo dominio inglés, el almirante John Jennings ordenó construir un hospital naval con la intención de atender a los heridos de posibles contiendas sin tener que adentrarse en el interior de Menorca. Dicho hospital continúa siendo parte viva de la isla y una fundación sin ánimo de lucro creada para su conservación, ‘Els Amics de l’Illa de l’Hospital’ [Los Amigos de la Isla del Hospital], trabaja en la restauración del edificio central. La intervención de Hauser & Wirth no se realiza en dicho edificio sino en un conjunto industrial destinado a almacenaje que fue incorporado frente a él en 1784 para guardar material sanitario que abasteciese al centro hospitalario.
A nuestra llegada a Isla del Rey y bajo un sol de justicia, nos encontramos con Luis y Mar. Los nervios y la ilusión por explicar el proyecto se perciben en los tres miembros del equipo. La química entre ellos es evidente. Unos acaban las frases de los otros, bromean y destilan una naturalidad que me lleva a sentirme, casi de inmediato, como en mi propia casa.
La primera parada de la visita es en el patio principal, cuyo muro se quiebra en el centro formando un cuadrado perfecto que se abre al exterior: «Queríamos poner en valor la higuera ya que ésta es la abertura más grande de todo el proyecto» explica Luis. Para recibirnos en este íntimo rincón que funciona como entrada a la galería, se encuentra la araña de Louise Bourgeois que, en diálogo con la luz del mediodía refleja la anatomía del insecto sobre el suelo haciéndola trepar por sus muros según van pasando las horas.
“Para mí, el desafío más interesante fue descubrir el lugar. Entender su personalidad. Hay un bagaje cultural que no hay que negar sino poner en valor”
Mientras recorremos los diferentes espacios que componen el centro, Luis me explica que fue hace una década cuando, bajo malas hierbas y casi completamente cubierto por el paso del tiempo, Manuela Hauser e Iwan Wirth, junto a quienes se encontraba visitando la isla, descubrieron el edificio. «Lo más increíble es que desde el mar no se veía. Estaba totalmente anegado. Los techos se encontraban en muy mal estado. Era un edificio un poco bastardo cuya existencia había pasado inadvertida», explica Luis. El trabajo de restauración realizado sobre la estructura se llevó a cabo con sumo cuidado, conservando todo lo posible vigas y otros materiales originales. «Para mí, el desafío más interesante fue descubrir el lugar. Entender su personalidad. Hay un bagaje cultural que no hay que negar sino poner en valor».
Para el centro Hauser & Wirth, estar en contacto y nutrir la comunidad local es un aspecto esencial. «Aunque tenemos una exposición de arte contemporáneo en la galería, el resto del trabajo se centra en unir fuerzas con proyectos culturales de calidad ya existentes en la isla, creando sinergias y aumentando la oferta», señala Mar.
Pero el proyecto no acaba ahí sino que el entorno forma parte del diálogo entre arte y naturaleza tan habitual de la galería Hauser & Wirth. Paseamos entre las obras de Franz West, Miró y Chillida que habitan el jardín del aclamado Piet Oudolf. «Piet hizo un trabajo enorme de limpieza, conservando la flora local y desechando lo demás porque, de hecho, había una capa de varios metros de caña y de bambú que ocultaba el paisaje» señala Luis. Con los años, ambos han forjado una relación de amistad y admiración mutua: «Piet tiene una cosa que me encanta, y es que habla de su jardín como en un estado de reposo cuando llega el invierno. Él habla de la muerte de algo y de la belleza que esconde ese mismo período. El fin de una estación puede ser una forma de movimiento».
La brisa que susurra entre las ramas de los olivos refuerza el paisaje mediterráneo al tiempo que erosiona dulcemente el edificio y mantiene su anatomía cada vez más viva. «Como no-arquitecta, una cosa que me fascina del proyecto es que ha conseguido que los espacios te sitúen en todo momento en el lugar en el que estás. La isla es bella en sí misma, por lo que el paisaje enmarcado en las ventanas se convierte en una obra de arte», señala Mar. Los tres se confiesan enamorados de la más humilde de las Islas Baleares. Una devoción que comparten con Iwan y Manuela, quienes residen en Menorca cada verano. Marta y Mar nacieron aquí. Luis, de origen argentino afincado en París, se considera un orgulloso hijo adoptivo de Alayor, el pueblo menorquín en el que tiene su segunda residencia. Ahora los tres han echado raíces en esta pequeña Isla del Rey, que con un imponente pasado, abre un nuevo capítulo en la historia hacia un prometedor futuro.
A REFUGE IN CHILE
MORRO CHICO
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Interview to RDR architects, designers of Morro Chico complex.
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Photos by Cristóbal Palma
estudiopalma.clRDR Architects
rdrarchitectes.comEstancias Morro Chico
morrochico.com.ar -
“We aim to do things differently, to take care of Patagonia through the sustainable use of natural resources and the use of clean and renewable energy”
MORRO CHICO
Imagine the most remote place in the world, where civilisation has barely gained a foothold and where climatic conditions are extreme. The landscape is one of arid steppes, meadows and deserts, but also of ice-bound fjords and temperate rainforests. That place is in the province of Santa Cruz, in southern Argentina, very close to the border with Chile. That is where you will find Estancia Morro Chico, a ranch that was founded more than 130 years ago that today seeks to preserve its ancestral natural, social and economic heritage by adapting it not only to the present of Patagonia but to the future.
Today, the Gallie family continues to rear sheep, mostly merino, for their wool, and they have spent the past few years rethinking the processes for production and life in the area in order to bring greater sustainability that will help to preserve the flora and fauna of Patagonia. The current generation of the family is the fifth to live here. It comprises three brothers who love the land and nature and who want to improve living conditions for both shearers and animals, and for anyone who wants or needs to visit the place. “We aim to do things differently, to take care of Patagonia through the sustainable use of natural resources and the use of clean and renewable energy. Actions that, together with a highly valued, meticulous and efficient team, revive the environment and the condition of the land,” they explain. “We redesigned Estancia Morro Chico together with the ranch employees, contractors and an architectural firm specialised in sustainability, the Swiss-based Richter Dahl Rocha, to turn it into a Patagonian ranch for the future.”
The work undertaken by RDR – which has a second office in Argentina – focused on redesigning the staff accommodation, shearing shed, stables and kennel. Facundo Morando, the project manager, explains their approach: “The client called us to build a new main residence. Until then, the family stayed in what is now the guest house during the season. When we went to choose the site, we saw that the rest of the plot wasn’t in a good state. So, after consulting with the Gallies, the project turned into the overall improvement of the ranch.”
“The story began in 1888 when the Gallie family from Scotland crossed a large stretch of Argentina on horseback, driving the first 5,000 head of livestock to Santa Cruz. It was the first British migration, mostly comprising Scots, to arrive from the Falkland Islands and Punta Arenas, a city in Chilean Patagonia”
Santa Cruz is a place with a very harsh climate, so sustainability had to be one of the pillars of the project: “Not only did the Gallie brothers let us do everything we proposed, but they wanted to take the project to another level. In these places with climatic extremes, houses were once built with the intention of protecting them from the wind, and a low ridge or hill was sought that could provide shelter for the dwelling. To ensure the plot was protected, they would build wooden windbreaks that were very efficient, but obscured the landscape. “We saw that, despite the spectacular surroundings, none of the houses had a very sincere or interesting relationship with the outside world. Therefore, because today’s technology enables us to do so, we decided to put the new house on top of the ridge looking out onto the best views.” The location of the future main residence on the hill did not respond one hundred per cent to the sustainability requirements set, so the actual architecture of the house would have to provide solutions to protect the room from the wind and inclement weather. “We gave it the shape of a tower typically found in the Pampas of Argentina. As a result, from the west, in the direction of the wind, the view of the exterior of the house is mainly corrugated iron; while to the north, sheltered by the tower, it is made of wood”, a combination of materials that balances the house both in terms of energy efficiency and aesthetics.
They refurbished the foremen’s houses, located next to the guest house. These are home to the managers of the ranch. They also built what they called the ‘Personnel Residence’, which is longer than the other buildings and operates as a hotel during the season. As Facundo explains, “That’s where housing is provided for fifteen or twenty days for workers: teams of about ten people who build the barbed-wire fences or brand the sheep, vets...” It is a house that is open to anyone who loves nature. The Gallie brothers’ commitment has led them to collaborate with organisations that share their values. A few months ago, in what was like an opening ceremony, they hosted thirty people for a conference on the implementation of measures to ensure sustainability and the optimal use of natural resources.
The former main residence – today a guest house – was covered in insulation and clad in corrugated iron. In addition to providing aesthetic continuity for the entire project, this material protects insulation much more efficiently than the masonry that formed the exterior walls. However, the masonry was retained inside the house to help keep in the heat. The refurbishment turned out to be such a success that even today it is the house chosen by the mother of these three brothers when she comes on her annual visit, from December to February, together with a group of friends. A century-old home on a morro chico [small mountain] has been transformed into a warm refuge for the future.
UN REFUGIO EN chile
Imaginaos el lugar más remoto del mundo, donde la civilización prácticamente no ha hecho acto de presencia y las condiciones climáticas son extremas. El paisaje contempla estepas áridas, praderas y desiertos, pero también fiordos glaciares y bosques pluviales templados. Ese lugar está en la provincia de Santa Cruz, al sur de Argentina, muy cerca de la frontera con Chile.
MORRO CHICO
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Entrevista a RDR architects, arquitectos encargados del proyecto de Morro Chico para la familia Gallier
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Fotografiado por Cristóbal Palma
estudiopalma.clRDR Architects
rdrarchitectes.comEstancias Morro Chico
morrochico.com.ar -
“Tenemos como objetivo hacer las cosas de manera diferente, cuidando la Patagonia a través de un aprovechamiento sostenible de los recursos naturales, y el uso de energía limpia y renovable”
Imaginaos el lugar más remoto del mundo, donde la civilización prácticamente no ha hecho acto de presencia y las condiciones climáticas son extremas. El paisaje contempla estepas áridas, praderas y desiertos, pero también fiordos glaciares y bosques pluviales templados. Ese lugar está en la provincia de Santa Cruz, al sur de Argentina, muy cerca de la frontera con Chile. Allí se encuentra Morro Chico, un proyecto de más de 130 años de antigüedad que hoy busca preservar el patrimonio natural, social y económico que originaron sus ancestros adaptándolo no sólo al presente sino al futuro de la Patagonia.
La historia comienza en 1888 cuando la familia escocesa Gallie atraviesa gran parte de Argentina a caballo para traer las primeras 5.000 cabezas de ganado a Santa Cruz. Se trata de la primera migración británica, en su mayoría escoceses, que llegan desde las Islas Malvinas y Punta Arenas, ciudad patagónica chilena, atraídos por el acceso a la adquisición de tierras que les ha otorgado el gobierno de la época y el buen estado de salud de la lana en el mercado internacional. El asentamiento de las familias es muy próspero para Argentina y para Chile, ya que los nuevos ganaderos introducen una nueva raza ovina a la región: La Malvinera.
Hoy, la familia Gallie continúa dedicándose a la esquila de ovejas para obtener lana, en su mayoría merino, y desde hace algunos unos años, se ha propuesto repensar los procesos de producción y vida en la zona en busca de una mayor sostenibilidad que ayude a preservar la flora y la fauna de la Patagonia. Se trata de la quinta generación de la familia. Tres hermanos enamorados de la tierra y de la naturaleza que desean mejorar las condiciones de vida de esquiladores y animales, así como de todo aquel que quiera o deba visitar el lugar. «Tenemos como objetivo hacer las cosas de manera diferente, cuidando la Patagonia a través de un aprovechamiento sostenible de los recursos naturales, y el uso de energía limpia y renovable. Unas acciones que, junto a un equipo valorado, cuidado y eficiente, recuperen la ecología y la condición del campo», explican. «A Morro Chico la rediseñamos junto al equipo de trabajo de la estancia, colaboradores y un estudio de arquitectos especializado en sostenibilidad, el suizo Richter Dahl Rocha, para convertirla en una estancia patagónica del mañana».
“La historia comienza en 1888 cuando la familia escocesa Gallie atraviesa gran parte de Argentina a caballo para traer las primeras 5.000 cabezas de ganado a Santa Cruz.”
El trabajo del estudio de arquitectura RDR —que cuenta con una segunda sede en Argentina— se centró en un replanteamiento de las casas de personal, galpón de esquila, caballerizas y perrera. Facundo Morando, director del proyecto, explica cómo fue su aproximación al mismo: «El cliente nos llamó para construir una vivienda principal nueva. Hasta entonces, la familia se alojaba en temporada en la que hoy es la casa de huéspedes. Cuando fuimos a elegir el lugar, vimos que el resto de la parcela no estaba en buenas condiciones, así que después de consultarlo con los Gallie el proyecto se convirtió en una mejora integral de la estancia».
Santa Cruz es un lugar con condiciones climáticas muy duras, de modo que era obligatorio que la sostenibilidad fuera uno de los pilares del proyecto: «Los hermanos Gallie no sólo nos dejaron hacer todo lo que propusimos sino que quisieron llevar el trabajo a otro nivel». En estos lugares de clima extremo, antiguamente se construía tratando de proteger las casas del viento, buscando una lomada o colina que protegiera la vivienda como un refugio. Para asegurar la protección de la parcela, se construían muros cortavientos de madera de gran eficiencia pero que ocultaban el paisaje. «Vimos que, a pesar de la espectacularidad del entorno, ninguna de las casas tenía una relación con el exterior muy franca o interesante. De modo que, dado que la tecnología de hoy lo permite, decidimos poner la nueva casa arriba de la lomada y orientada a las mejores vistas». La ubicación de la futura casa principal, sobre la colina, no respondía al cien por cien a los requisitos de sostenibilidad marcados, de modo que sería la propia arquitectura de la casa la que tendría que dar las soluciones que protegieran la estancia del viento y de las adversidades meteorológicas. «Le dimos la forma de torre característica de la Pampa argentina. Así, desde el oeste, del que proviene el viento, el exterior de la casa se ve principalmente de chapa, mientras que hacia el norte, y a refugio de la torre, se compone de madera», una combinación de materiales que equilibra la vivienda tanto en eficiencia como en estética.
HOW PROFOUND IS THE AIR
CHILLIDA LEKU
“The work for me is both answer and question … It’s not about ‘representing’ in a less perfect and even personal way what is apparent, what is known to all, but of penetrating, ‘presenting’ and bringing light where there was darkness,” Eduard Chillida wrote in one of the many notes he left undated and unordered in his study.
CHILLIDA LEKU
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Story about Chillida Leku, just reopened in 2021.
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Photographed by Mari Luz Vidal mariluzvidal.com
Chillida Leku
museochillidaleku.com -
It may be a consequence of the strange times we are living in, but as I enter Chillida Leku – in the month of July, shortly after the museum’s reopening after coming out of lockdown —a feeling of peace and harmony with the world flows through my body. Flowers by Dutch landscape artist Piet Oudolf decorate the entrance to this temple of artistic contemplation. Crossing the threshold of purple, pink and yellow, I am immersed in the personal universe of a poet of space named Eduardo Chillida.
Despite past difficulties, the museum is now celebrating its twentieth anniversary. Opened by the Chillida family in 2000, the museum encountered financial problems, leading the heirs of the sculptor —who had died in 2002— to attempt to save this cultural asset by seeking government assistance, although this didn’t come to much. After being closed to the public since 2011, Chillida Leku resumed its activity last year thanks to an agreement the sculptor’s family signed with the Swiss art gallery Hauser & Wirth. Under its terms, the family would keep their property and continue to play a key role in this new phase, in which the museum has become more open to the public than ever before. Film nights, dance performances and poetry recitals are some of the outdoor activities it has hosted throughout the summer.
People visiting Chillida Leku can wander about the space, guided by their own intuition and following the fragrance —in the artist’s own words— of the works. The beech, magnolia and oak trees form a part of the museum’s permanent exhibition. Amidst all this nature, I try to capture in my mind the anatomy of the sculptures that I encounter, but they stand defiant, taking on new and different meanings, their silhouettes actually transforming with every step I take. The museum that Chillida masterminded more than thirty years ago is one of those places that affects you on the inside. I like to think of the Basque sculptor’s personality in the same light: kind, charismatic, curious and deliciously stubborn.
“One day I dreamt of a utopia: finding a place where people would walk among my works as in a forest.”
A few tourists take shelter from the sun under the canopy of the trees surrounding the broad esplanade leading from the entrance, while one of the museum guides explains how, together with his wife Pilar Belzunce, Chillida acquired Zabalaga Estate in 1983. Here, with the farmhouse as the central piece, he began to bring to life the idea that had been going round in his head since his return from Paris thirty years earlier. “One day I dreamt of a utopia: finding a place where people would walk among my works as in a forest.” Chillida had returned from the French capital with the intention of unlearning, of moving away from external influences. He needed to find his own light and to avoid replicating what cultures like the Greeks had already done, with a Mediterranean light that was not his own. The essence of the wooden sculptures made at the beginning of the 1960s —whose Basque name, Abesti Gogorra, means ‘raw edge’— connect with the farmhouse of the same name, which symbolises Chillida’s return to his roots. “I feel my place is the Basque Country, like a tree that is suited to the land it grows on, but with its arms stretched open to the world. I’m trying to do a man’s work, my work, because it’s me doing it, and since I’m from here, that work will have particular qualities, a dark light, which is what we have.”
His view of sculpture changed with the discovery of iron at a foundry near his home in Hernani. He was fascinated by the darkness of that space, the heat of the flames, the incandescent light and the sound of the hammer hitting the anvil; but it was the direct physical encounter with the material that ended up captivating him. He began to work the iron by curving and bending it while hot, without any welding, by giving it shape while allowing it to freely expand and express itself. It was then that he began to question the relationship between matter and space, especially with voids.
“I believe that known works are born dead and that adventure, on the edge of the unknown, is what can sometimes produce art”
Copper, chrome and nickel were elements that he used to preserve his works against corrosion by forming a protective layer. He brought back pink granite from his trip to India in the 1970s. In his desire to maintain the appearance of the exterior of this stone, the sculptor created spaces with smooth surfaces in its interior. His intention is evident in Lo profundo es el aire [How profound is the Air], whose title comes from a poem written by his friend, the poet Jorge Guillén. His words resounded in Chillida’s universe as a kind of mantra inviting him to sense what happens in the void, to read between the shapes and to feel what cannot be seen. Many of the questions he tried to answer about space, material, limits and voids would return to him time and again, giving rise to different series or families of sculptures such as De Música [On Music] III, Harria [Stone] IV, Consejo al Espacio [Advice to Space] IV and Lotura [Bond] XXXII.
For Chillida, art was born out of intuition, never out of certainty. “The work for me is both answer and question … It’s not about ‘representing’ in a less perfect and even personal way what is apparent, what is known to all, but of penetrating, ‘presenting’ and bringing light where there was darkness,” he wrote in one of the many notes he left undated and unordered in his study. Compiled posthumously in Writings, Eduardo Chillida (La Fábrica, 2016), they are witnesses of constant rumination. He never stopped analysing his work, neither before nor after its completion. “I believe that known works are born dead and that adventure, on the edge of the unknown, is what can sometimes produce art.” Chillida Leku symbolises that non-linear journey —without time, without a date— that the sculptor made throughout his life “alert and free until the end, guided by a fragrance”.
LO PROFUNDO ES EL AIRE
CHILLIDA LEKU
La obra para mi es contestación y pregunta (...) No se trata de ‘representar’ de una manera más menos perfecta e incluso personal lo aparente, lo conocido por todos, sino de penetrar ‘presentar’ y hacer luz donde estaba oscuro», escribió Eduardo Chillida en una de las múltiples notas que dejó sin fecha y sin orden en su estudio.
CHILLIDA LEKU
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Reportaje acerca de Chillida Leku, recién reabierto en 2021.
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Fotografiado por Mari Luz Vidal mariluzvidal.com
Chillida Leku
museochillidaleku.com -
Quizá sea consecuencia de los extraños tiempos que estamos viviendo, pero cuando el me adentro en Chillida Leku —en el mes de julio, poco después de su reapertura tras el confinamiento—, un sentimiento de paz y armonía con el mundo recorre mi cuerpo. Las flores del paisajista holandés Piet Oudolf decoran la entrada de este templo de reflexión artística. Atravesado el umbral de colores morado, rosa y amarillo, me sumerjo en el personal universo de un poeta del espacio llamado Eduardo Chillida.
Con un pasado no exento de dificultades, el museo se encuentra celebrando su vigésimo aniversario. Inaugurado por la familia Chillida en el año 2000, la situación de déficit financiero llevó a los herederos del escultor, fallecido en 2002, a tratar de salvar el patrimonio cultural pidiendo una ayuda a las instituciones que no acabó de fraguar. Cerrado al público desde 2011, el año pasado Chillida Leku retomó su actividad gracias a la galería suiza Hauser & Wirth, con la que la familia del escultor firmó un acuerdo por el que mantienen su propiedad y continúan desempeñando un papel clave en esta nueva etapa más abierta al público que nunca. Noches de cine, espectáculos de danza y recitales de poesía son algunas de las actividades al aire libre que han acogido durante el verano.
Quien visita Chillida Leku puede recorrer el espacio dejándose guiar por su propia intuición, siguiendo el aroma —tal y como el escultor lo definía— de las obras. Las hayas, los magnolios y los robles forman parte de la exposición permanente del museo. Ubicado en plena naturaleza, trato de capturar en mi mente la anatomía de las esculturas con las que voy topando, pero éstas se rebelan ante mí tomando nuevos y diferentes significados, transformando su silueta de una manera genuina a cada paso. El museo que Chillida ideó hace más de treinta años, es de esos lugares que se te agarran por dentro. Quiero pensar que así era la personalidad de este escultor vasco: amable, carismático, curioso y deliciosamente obstinado.
“Un día soñé una utopía: encontrar un lugar en el que la gente caminara entre mis obras como en un bosque”
Unos turistas se refugian del sol bajo la copa de uno de los árboles que rodean la extensa explanada que se abre paso desde la entrada, mientras una de las guías del museo explica cómo, junto a su mujer Pilar Belzunce, Chillida adquirió en 1983 la finca Zabalaga donde, con el caserío del mismo nombre como pieza central, comenzó a materializar el sueño que rondaba su cabeza desde su vuelta de París treinta años antes. «Un día soñé una utopía: encontrar un lugar en el que la gente caminara entre mis obras como en un bosque». Chillida había vuelto de la capital francesa con la intención de desaprender, de alejarse de las influencias externas. Necesitaba encontrar una luz propia y evitar la réplica de lo que ya habían realizado culturas como la griega, con una luz mediterránea que no era la suya. Las esculturas de madera realizadas a principios de la década de los 60, con el nombre de canto crudo en euskera, Abesti Gogorra, conectan desde su esencia con este caserío, que simboliza la vuelta a los orígenes de Chillida. «Yo en el País Vasco me siento en mi sitio, como un árbol que está adecuado a su territorio, pero con los brazos abiertos al mundo. Yo estoy tratando de hacer la obra de un hombre que es la mía, y como soy de aquí, esa obra tendrá unos tintes particulares, una luz negra que es la nuestra».
Su visión de la escultura cambió con el descubrimiento del hierro en una forja cercana a su casa, en Hernani. La oscuridad del espacio, el calor de las llamas, la incandescencia y el sonido del martillo golpeando el yunque, le fascinaron; pero fue la lucha directa con el material lo que acabó por cautivarlo. Comenzó a trabajar el hierro curvándolo y doblándolo en caliente, sin soldadura, dirigiéndolo y al mismo tiempo dejando que éste se expandiera y expresase libremente. Fue entonces cuando comenzó a cuestionarse la relación de la materia con el espacio y en particular con el vacío.
“Creo que las obras conocidas nacen muertas y que la aventura, al borde de lo desconocido, es la que a veces puede producir arte”
El cobre, el cromo y el níquel fueron elementos que ayudaron a preservar las obras gracias a la capa de protección natural frente a la corrosión que estos materiales crean a partir de la oxidación. De su viaje a la India en los 70, trajo el granito rosa. En su ánimo por mantener la naturaleza del exterior de esta piedra, el escultor introdujo espacios lisos para trabajar su interior. Una intención evidente en Lo profundo es el aire, cuyo título proviene de un poema de su amigo el poeta Jorge Guillén. Sus palabras resonaron en el universo de Chillida como una especie de mantra con el que invitaba a intuir lo que sucede en el vacío, a leer entre las formas y a sentir en lo invisible. Muchas de las cuestiones a las que trataba de dar respuesta acerca del espacio, la materia, el límite o el vacío, volvían a su mente una y otra vez dando lugar a series o familias escultóricas como De Música III, Harria [piedra] IV, Consejo al Espacio IV y Lotura [unión] XXXII.
Para Chillida, el arte debía nacer desde la intuición, nunca desde la certeza. «La obra para mi es contestación y pregunta (...) No se trata de ‘representar’ de una manera más menos perfecta e incluso personal lo aparente, lo conocido por todos, sino de penetrar ‘presentar’ y hacer luz donde estaba oscuro», escribió en una de las múltiples notas que dejó sin fecha y sin orden en su estudio. Compiladas tras su muerte en ‘Escritos. Eduardo Chillida’ (La Fábrica, 2016), ellas son testigo de su vocación rumiante. Nunca dejó de analizar su obra; ni antes ni después de su finalización. «Creo que las obras conocidas nacen muertas y que la aventura, al borde de lo desconocido, es la que a veces puede producir arte». Chillida Leku simboliza ese viaje no lineal —sin tiempo, sin fecha— que el escultor recorrió a lo largo de su vida «alerta y libre hasta el final, guiado por un aroma».