MEMORIA Y REINVENCIÓN
HABITACIÓN 116 Y STUDIO ANDREW TROTTER
HABITACIÓN 116 Y STUDIO ANDREW TROTTER RECUPERAN EL ESPÍRITU CREATIVO DE PARQUE MELCHOR OCAMPO 38,
EL EDIFICIO PARA ARTISTAS DISEÑADO POR LUIS BARRAGÁN Y MAX CETTO EN 1938
El estudio de Parque Melchor Ocampo 38 en el que trabajó Clara Porset se convierte en una residencia de diseño. El proyecto con el nombre de Memoria y Reinvención, rinde homenaje al trabajo que la diseñadora realizó allí, a Luis Barragán, a Max Cetto, a México, y a una sempiterna forma de entender la creación y el diseño.
Son los propios diseñadores, Habitación 116 y Studio Andrew Trotter, quienes realizan la primera intervención residencial y presentan dos colecciones en colaboración surgidas a partir del estudio para artistas con el nombre de Criollo y Tahona.
Desde que conociera a Habitación 116 (H116), la mirada de Studio Andrew Trotter (SAT) hacia la escena creativa de México no ha hecho más que elevarse. A finales de 2023, el estudio de Parque Melchor Ocampo 38 que en su día trabajó Clara Porset, quedó disponible. Era la oportunidad que Studio Andrew Trotter estaba esperando para comenzar una nueva etapa en la que profundizar en las técnicas artesanas e imbuirse de la arquitectura mexicana.
Visitar el departamento fue, para ambos estudios, volver a conmoverse con la arquitectura de Luis Barragán y Max Cetto, así como por la historia impregnada en las paredes tanto del paradigmático edificio como del lugar en el que Clara Porset creó piezas del racionalismo mexicano tan reconocidas como la silla Butaque, un icono del equipamiento de la obra de Luis Barragán.
El nuevo proyecto de Habitación 116 y Studio Andrew Trotter nace de la inspiración a través de un lugar específico como es el edificio para artistas de Parque Melchor Ocampo 38, pero también de un lugar algo más amplio, México como punto de encuentro creativo. Una colaboración que toma forma en dos colecciones: Criollo, firmada por H116, que se deja guiar por la obra de Clara Porset, y Tahona, de SAT, que incide en la huella de las técnicas tradicionales en la forma de entender el diseño de México.
CRIOLLO
La innegable influencia del departamento de Parque Melchor Ocampo en el trabajo de Porset alcanzó su máxima expresión en 1946, cuando invitada por Ani y Alvar Aalto a su showroom de Nueva York, la diseñadora presentaba una colección de mobiliario para un departamento de una habitación. Guiados por los valores que Porset introdujo en la cultura mexicana, la colección Criollo de H116 también consta de cinco piezas básicas de uso flexible pensadas para un estudio de una habitación. Clara Porset conectó la tradición y lo artesanal con nuevos modos de diseñar, de entender el mobiliario y el espacio. H116 pone además el acento en los procesos de creación basados en la repetición, en la profundización de diferentes técnicas, materiales, escalas y formas. Un modelo de trabajo endémico para el estudio mexicano en la creación de colecciones o de piezas para un determinado proyecto. Reverberaciones es el nombre de la exposición con la que H116 presenta dicha colección. Una muestra que permanecerá abierta al público del 6 al 16 de febrero.
TAHONA
La colección Tahona de Studio Andrew Trotter representa la sencillez ancestral de la cultura mexicana. Para Andrew Trotter y Marcelo Martínez, responsables del estudio, México destaca por la forma de vida cercana, acogedora y alegre de sus gentes. Una cultura capaz de convertir lo esencial en excepcional. Su colección es un homenaje a la tradición mexicana a través del uso de técnicas y materiales atávicos. Creada a partir de piedra volcánica, las cinco piezas que componen Tahona expresan un modo de creación que sublima la tradición, convirtiendo un mueble de formas sencillas en una pieza de diseño. El resultado tiende a la versatilidad en su adaptabilidad para interiores y exteriores. El aspecto casi primitivo, de grandes dimensiones de la colección, evidencia la mano de obra artesana, uno de los valores que Trotter y Martínez tratan de poner en alza.
MEMORIA Y REINVENCIÓN
Studio Andrew Trotter y Habitación 116 recuperan el uso para el que fue concebido el edificio para artistas de Parque Melchor Ocampo 38 y convirtien el antiguo estudio de Clara Porset en el escenario de un programa de residencias de diseño. Con el nombre de Memoria y Reinvención, éste dará cabida a estadías creativas de diseñadores de todo el mundo al tiempo que rinde homenaje a los años del funcionalismo mexicano. La colección Tahona se presenta en el marco de dichas residencias y Marcelo Martínez y Andrew Trotter se erigen como primeros invitados del mismo.
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Nota de prensa sobre las colecciones Tahona y Criollo, asi como el programa de residencias Memori y Reinvención.
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EL ESPACIO ENTRE LAS MANOS
CHILLIDA COLLECTION
Las manos, qué belleza atávica encierran. Con ellas nos comunicamos, creamos, construimos, nos alimentamos, damos calor, acariciamos pero también nos aferran a algo; con ellas peleamos y luchamos. Es curiosa la excelsa mutabilidad de las manos.
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Openhouse magazine Nº21
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CHILLIDA COLLECTION
Las manos, qué belleza atávica encierran. Con ellas nos comunicamos, creamos, construimos, nos alimentamos, damos calor, acariciamos pero también nos aferran a algo; con ellas peleamos y luchamos. Es curiosa la excelsa mutabilidad de las manos. Reflejan nuestra situación vital casi antes que cualquier otra parte del cuerpo. Manos de pianista, manos de estibador, manos de cocinero, manos de cuidadora, manos de artista... cada una de ellas dibuja una imagen más o menos clara en el imaginario social.
Eduardo Chillida (1924-2002) plasmó las suyas durante toda su vida. Nunca dejó de hacerlo. Esas mismas manos le llevaron a forjar una extensa obra de acero y hormigón pero también a verter sus reflexiones en escritos y obra gráfica, desde dibujos a gravitaciones. Es precisamente en esta última práctica donde nanimarquina se ha imbuido para la nueva colección que homenajea al escultor cuando se cumplen 100 años de su nacimiento. Las gravitaciones no eran simples hojas superpuestas sino relieves escultóricos.
El propio artista habló del hallazgo y desarrollo de esta nueva forma de relieve escultórico hecho con papel: “A mí nunca me había gustado la cola. El hecho de pegar los papeles no me parecía lo ideal. De repente pensé: ‘¿Por qué en vez de pegar estos dos papeles, no los unes de alguna manera con cuerda o con lo que sea?’ Empecé a darle vueltas, a hacer pruebas y apareció la solución. En el lugar donde antes estaba la cola, metía el espacio. ¡Cómo vas a comparar el espacio con la cola! La ganancia es tremenda”.
“A mí nunca me había gustado la cola. El hecho de pegar los papeles no me parecía lo ideal. De repente pensé: ‘¿Por qué en vez de pegar estos dos papeles, no los unes de alguna manera con cuerda o con lo que sea?’ Empecé a darle vueltas, a hacer pruebas y apareció la solución. En el lugar donde antes estaba la cola, metía el espacio. ¡Cómo vas a comparar el espacio con la cola! La ganancia es tremenda”
La tensión dramática en la forma de superponer o intercalar los fragmentos de papel, ha sido la obsesión de nanimarquina al transformar en alfombra cada una de las obras elegidas. “Jugar con las técnicas artesanales como handknotted, sumak o handtufted; con las fibras, lana y seda; y con las distintas alturas, ha permitido reflejar en la colección esa suspensión que Chillida buscaba en sus gravitaciones”.
El resultado son cuatro piezas nuevas que completan la Colección Chillida iniciada hace una década. Tres alfombras y un tapiz para cuya creación se realizó una retrospectiva de las obras pictóricas del artista vasco, desde la Gravitación de 1997, Gravitación Tinta de 1996, Preguntas de 1994 hasta el tapiz basado en Gravitación Tinta 1991.
Tan amante de la materia como Chillida, Nani Marquina prestó especial atención a la composición de sus alfombras y a los procesos de manufacturación desde el inicio de su marca en 1987. Seis años después, emprendió su aventura empresarial más audaz trasladando la producción al norte de India. Un movimiento que supuso la incorporación de la artesanía y la tradición como fundamentos de su diseño: las manos, de nuevo, como rasgo del modo de producción tan característico de la firma a día de hoy.
En el 36º aniversario de la firma, Nani Marquina sigue dirigiendo el área creativa de manera muy personal: “La pasión por el arte y la admiración que me causa la naturaleza definen la esencia de mi trabajo, donde el arte y el diseño se mezclan de una manera intuitiva”, explica la creadora, que continúa: “Por este motivo he querido homenajear a Chillida, un artista de mi tiempo y de mi país cuya manera de entender el espacio me influenció enormemente.”
LA RICARDA by WEEKEND MAX MARA
UN CANTO A
LA LIBERTAD
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Copywriting para Weekend Max Mara en colaboración con Openhouse Studio.
Publicado en inglés.
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Creative direction and Production by Mariluz Vidal for Openhouse Studio
Photo by Salva López - salvalopez.com/
Art direction by Clara Quintana Studio - @claraquintanastudio
Film by Hector Ferreño - vimeo.com/hectorferrenoworks
Music Zaldikatu#3 by MOXAL
Model Okkie Reijnders from Blow Models
Hair & Make up by Jorge Zunica from Kastel Management - @lucifrede
Styling by Yasmina Benabdelkrim yasminabenabdelkrim.com
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UN CANTO A LA LIBERTAD
Rodeada por un bosque de pinos frente al mar, la finca de La Ricarda fue heredada por Inés Bertrand quien, junto a su marido Ricardo Gomis y de la mano del arquitecto Antonio Bonet, construyó una obra de arte racionalista hoy considerada icono de la arquitectura contemporánea. En esta casa que acogió grandes conciertos en la década de los años 50, 60 y 70, hoy ya sólo se escucha el canto de las aves. La Casa Gomis es también conocida como La Ricarda, el nombre que hace referencia a la laguna situada frente a ella. Con más de tres siglos de antigüedad, este acuífero es uno de los últimos espacios vírgenes del Delta del río Llobregat. Los más de veinte tipos de orquídeas que lo habitan así lo confirman, de igual modo que las aves migratorias como el flamenco, la gaviota y el cormorán, que han encontrado aquí un lugar predilecto para instalar más de una cincuentena de nidos.
“La pasión del matrimonio Gomis Bertrand por la música y por el arte experimental, los llevó a organizar representaciones, conciertos y proyecciones en casa. El salón era el centro de reunión, donde siempre sonaba música jazz.”
Concebida inicialmente como una residencia de verano, la Casa Gomis acabó siendo el hogar definitivo de la familia, además de su proyecto de vida. La diversidad de color en los cristales y la cerámica de la galería es el toque más vitalista de su diseño, cuya combinación con los tonos del interior, recuerda a la gama cromática de la colección Bon Chic de Weekend Max Mara. La luz, la armonía y el espacio son las claves de su poderoso atractivo. Las bóvedas del techo se disponen en perfecto equilibrio con las ondulaciones arbóreas que las rodean. Estas icónicas formas que surfean con el entorno, cuentan con estratégicas aberturas que rompen su hegemonía para dejar entrar la luz, permitiendo avistar desde el interior la flora y la fauna con la que comparte espacio.
La pasión del matrimonio Gomis Bertrand por la música y por el arte experimental, los llevó a organizar representaciones, conciertos y proyecciones en casa. El salón era el centro de reunión, donde siempre sonaba música jazz. Con el tiempo, y especialmente los últimos años de la dictadura, la Casa Gomis se convirtió en un refugio de la intelectualidad catalana en un canto a la libertad que hoy reproducen los mirlos mientras agitan sus alas, a su llegada a la Ricarda.
STUDIO FENICE
DÍAS
DE
VERANO
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Conceptualización y desarrollo de la idea tras el evento Días de Verano, el primer encuentro de Studio Fenice con varios de los diseñadores que representa y otros perfiles interesantes procedentes de la arquitectura, el diseño y el arte, sugeridos por Openhouse Studio.
En colaboración con Azamit, creamos el guión y las ideas en las que se vertebraron los dos paneles que moderamos conjuntamente.
Finalmente, escribí la crónica para la revista Openhouse.
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Fotos de Victor Stonem
victorstonem.comStudio Fenice
studiofenice.net -
Openhouse magazine website.
En la redes sociales de Openhouse studio y Studio Fenice.
Cuando el equipo de Studio Fenice y Openhouse Studio decidieron los dos ejes temáticos de Días de Verano, el primer evento de la plataforma de diseño online creada por Christian Maroselli, no sabíamos el peso que tendrían estos en todo lo que se iba a llevar a cabo entre el 18 y 21 de junio de 2021 en Todos Santos, Baja California Sur, México.
En el mundo hiperconectado y globalizado de hoy, en el sistema abrumador en el que vivimos, con la velocidad insoportable con la que pasamos de una cosa a otra y la sensación desesperante de llegar tarde a todo, fue un gran privilegio suspender el tiempo para Tres días para convivir, conocer a treinta personas del ámbito del arte, el diseño y la arquitectura, y reflexionar junto a ellos.
Christian Maroselli, fundador de Studio Fenice, tuvo claro desde el principio lo que buscaba. No quería que el evento que estaba organizando fuera percibido como corporativo. Sabía que si disponía correctamente los recursos a su alcance, la reunión sería un éxito.
Las diferentes actividades del programa de Días de Verano se estructuraron en torno a dos temas principales: Viajes y Personalidad. Ambos estuvieron presentes a lo largo de los tres días, desde la cena de bienvenida en DUM, hasta el viaje en barco por el Golfo de California, e incluso en las conversaciones grupales donde reflexionamos sobre estas dos ideas desde la perspectiva de creadores, arquitectos, diseñadores, curadores y fotógrafos.
El primero de estos encuentros de reflexión conjunta giró en torno a los viajes como poderosa arma de crecimiento personal y profesional. Inspirándonos en la obra escrita de Giulia Bruno, Atlas de Emotion: Journeys in Art, Architecture, and Film, la palabra clave con la que iniciamos el diálogo fue emoción, dada su raíz compartida con la palabra movimiento. La emoción no es un espacio psicológico personal personalizado, sino una forma de entender el movimiento de las pasiones y los deseos. Es un viaje que muchas veces sirve como punto de inflexión para la creación del propio camino, un cambio de dirección.
El movimiento es concebido como dos capas paralelas: lo que se mueve en el pensamiento debe moverse en los cuerpos. Los viajes imaginarios son una parte más de esta extensión de viajar desde lo geográfico a la mente, a través de disciplinas como el diseño o la arquitectura. El viaje nos cambia, lo queramos o no. Ese camino de alguna manera nos elige, y al mismo tiempo nos atrevemos a seguir nuestro instinto, a descubrir adónde nos lleva.
En el segundo encuentro de reflexión conjunta quisimos ir más allá y profundizar no sólo en el viaje sino en el camino que nos lleva a definir nuestra identidad como personas y como diseñadores. La personalidad que consciente e inconscientemente se imprime en una obra de arte, no sólo se origina en la mente del diseñador sino también de su relación con la sociedad en la que vive, así como de su relación con la tradición, el desarrollo de un oficio y los artesanos expertos en el manejo del material.
Es el resultado de reconocernos como el organismo multidimensional interconectado que somos. Ahora que tenemos acceso a recursos en todo el mundo, centramos nuestros esfuerzos en aquello que nos identifica, en aquello que cuenta una historia. Conocer a la persona que hay detrás de las manos que elaboran las piezas, la tradición que hay detrás de cada técnica, así como transmitir este conocimiento de generación en generación, son aspectos clave que convierten cada pieza en algo significativo.
Studio Fenice nació en 2021 como una nueva forma de pensar, de buscar y de celebrar la audacia en el diseño. Un espacio virtual que promueve el trabajo de diseñadores que expresan una personalidad única en su oficio. Artistas que cuestionan y transforman nuestra percepción yendo más allá de los principios del diseño.
A través de dicho recorrido, que configura el particular atlas de emociones de Studio Fenice, este espacio adquiere un carácter propio. En palabras del filósofo y pensador Frantz Fanon, “En el mundo por el que viajo, me estoy creando a mí mismo sin cesar”.
SHON MOTT
FOLIE À DEUX
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Publireportaje para Shon Mott.
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Openhouse magazine
Issue Nº16 -
Fotos de Arale Reartes
https://www.aralereartes.com/
Shon Mott
https://shonmott.com -
Shon Mott Openhouse
FOLIE À DEUX
Desde la prehistoria, el ser humano se ha establecido en espacios íntimos, en cabañas, chozas o grutas en los que disfrutar de cierta privacidad. Este hogar, en ocasiones no es físico sino que puede estar representado por una persona o por un paisaje. Incluso cuando no tenemos nada a lo que aferrarnos, el cuerpo se convierte en nuestro asilo. Eso lo sabe bien Arale Reartes, quien durante la pandemia, exploró el autorretrato y, al tiempo que buscaba su lugar hacia fuera, inició ese mismo viaje hacia dentro. En el camino, esta fotógrafa de Barcelona ha recorrido medio mundo: Italia, París, Londres, Japón, Estados Unidos... Su última parada ha sido Islandia, donde ha creado el proyecto ‘Folie à deux’, un viaje sensorial con muy poco equipaje: sus cámaras de fotos y las prendas de SHON MOTT.
Para esta firma de moda barcelonesa, su hogar es el Mediterráneo. El invierno frente al mar en plena Costa Brava, la gama de azules verdosos que nace del diálogo de color entre el agua y el cielo, su humedad en forma de bruma o la tramontana, forman parte del viaje creativo que Shon Mott realizó para diseñar las prendas de la nueva temporada de invierno 2021-2022. «SHON MOTT está muy arraigado al Mediterráneo, por eso quería fotografiar un lugar que, compartiendo los mismos valores de éste, como la calma, la naturaleza o la majestuosidad, aportara algo diferente, y creo que ese lugar es Islandia», explica Arale.
«Nos inspira nuestro paisaje, su ritmo, su clima y su belleza», explica Kiko Buxó, responsable de comunicación de esta empresa familiar. Él es quien nos recibe en la sede que la firma de moda tiene en Barcelona. La oficina no se atiene a los estereotipos de un espacio de trabajo, aséptico y quizá algo frío del siglo XXI, sino a los de una residencia familiar del siglo pasado con suelos de madera y techos con delicadas molduras de reminiscencias francesas. Kiko me explica emocionado que, precisamente París es la siguiente ciudad en la que SHON MOTT contará con un punto de venta propio.
Para esta familia cuya vinculación con la moda viene de lejos, SHON MOTT es el más extraordinario de los lugares a los que volver. Un hogar en el que los tres hermanos, Kiko, Pep y Lluís, se encuentran, trabajan y desarrollan su creatividad.
La atemporalidad en el diseño y la durabilidad de los materiales característicos de esta firma —el cashmere de Loro Piana, la seda natural y el algodón orgánico— no parecen ser sinónimo de los preceptos de la moda de hoy. Una perspectiva que tiene mucho que ver con la formación en diseño industrial de Pep, quien se encarga de crear y desarrollar las colecciones. Desde el nacimiento de la marca en 2015, éstas se han contagiado de recuerdos familiares que, interpretados en clave contemporánea —bajo los preceptos de funcionalidad y sostenibilidad— han ido configurando una suerte de álbum de fotos en forma de ropa. «Nos inspira mucho nuestro día a día pero también las referencias de nuestra infancia y adolescencia. Nuestra familia siempre se ha dedicado a la moda y tenemos muchísimos recuerdos de viajes a París, a Nueva York y a Milán. Lugares a los que se acudía para ver moda en los años 90», resume Kiko.
Para la creación de las campañas, de las que es responsable el propio Kiko, su apuesta siempre es audaz: «Nos gusta pensar que nuestro cliente tiene un nivel intelectual y aprecia la existencia de un mensaje que vaya más allá de las prendas. Queremos generar contenido a la altura de nuestros clientes gracias a mentes creativas como Arale Reartes, con gran talento y mucho que contar».
Ahora el particular álbum de viaje de SHON MOTT recala en Islandia. Un lugar lleno de magia que seguro llenará la memoria familiar de nuevos recuerdos.
WEEKEND MAX MARA
MÁS ALLÁ DEL HORIZONTE
MÁS ALLÁ
DEL HORIZONTE
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Copywriting para Weekend Max Mara en colaboración con Openhouse Studio.
Publicado en inglés.
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Creative Direction by MARI LUZ VIDAL of OPENHOUSE STUDIO
Photographed by SALVA LÓPEZ
Model OLATZ LOPEZ BY NEXT ICON MANAGEMENT
Stylist NAGORE PECHARROMAN
Hair & Make up MIREN APEZTEGUIA
With the support of OSTARTE SAILING & MENDI ARGIA BOUTIQUE HOTEL
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El horizonte siempre me conecta conmigo misma a través de esa línea que separa el cielo del mar y que no es posible alcanzar. Recuerdo la primera vez que, de niña, fui consciente de que, por más que navegasemos hacia ella, no conseguiríamos vencer la distancia que nos separaba de ésta.Volví a San Sebastián en busca de aquellos veranos de la infancia, en busca de mi misma y queriendo conocer mejor mi pasado. Recorrí el puerto en el que tantas tardes de verano había pasado mientras mi abuelo Manuel terminaba de revisar los amarres, dar un vistazo al estado de los bolardos y despejar la pasarela del náutico. Fue allí mismo, cuando tenía unos veinte años de edad, cuando vió entrar por primera vez en el puerto a Lucretia, el emblemático velero Holandés construido en 1927 diseñado por el prestigioso arquitecto naval G. De Vries Lentsch Jr. con el propósito de regalar brisa marina a la hija de su primer armador. A bordo estaba la propia Lucretia, una joven alta e imponente con una belleza exótica para él. Nunca había visto un rostro que reuniese facciones tan dulces y con tanto temperamento al mismo tiempo. Los dos se enamoraron y el velero echó el ancla.
Cuando yo no contaba con más de diez años, ambos eran muy mayores. El velero daba mucho trabajo y mis padres no podían hacerse cargo, así que lo vendieron a una familia francesa que vivió en él durante siete años. Fue después cuando llegó a manos de Edgar y Amuaitz, sus actuales propietarios. No ha sido difícil encontrarlos. Esta ciudad es un precioso, sofisticado y entrañable lugar en el que aún se conoce casi todo el mundo y ellos, unos expertos patrones de marina apasionados con el mar.
“En el puerto, me encuentro con la historia de mis abuelos —y la mía propia— a cada paso: en las escaleras en las que muchas veces improvisamos un chapuzón y en el viento al final de la pasarela.”
En el puerto, me encuentro con la historia de mis abuelos —y la mía propia— a cada paso: en las escaleras en las que muchas veces improvisamos un chapuzón y en el viento al final de su pasarela. Siento cómo mi pelo se va curvando y emulando la forma de las olas. Vestida con mis prendas favoritas de Weekend Max Mara, noto cómo el salitre toma contacto con mis camisa mientras mi falda realiza una danza de estilo contemporáneo. Me quito los zapatos para apreciar cómo, paulatinamente, mis pies vuelven a echar raíces, mientras veo cómo, desde la lejanía, se acerca a Lucretia.
Pongo un pie en la cubierta después de un par de décadas y me encuentro a mí misma tratando de atar los cabos sueltos de mi pasado. En el camarote veo la foto en blanco y negro de mi abuela aún niña junto a su familia, cuyo marco no ha sido descolgado en todo este tiempo. Me quedan muchas dudas sin resolver: qué intenciones tenía G. De Vries Lentsch Jr. regalando el barco a mi abuela o por qué ella había fondeado en San Sebastián. Sin embargo, en cuanto tomo las riendas del timón, todos los miedos, todas las dudas, quedan atrás. Verme a los mandos del barco me hace creer en mí misma. Me hace sentir que todo es posible. Que puedo llegar a donde yo quiera, incluso, a traspasar la línea del horizonte.
JAY VOSOGHI
FUNCIONAL RACIONALISTA Y ELEGANTE
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Publireportaje-entrevista a Jay Vosoghi sobre las novedades de R+D.LAB.
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Fotos de Ana Cuba y Martino di Napoli Rampolla
https://anacuba.com
https://www.instagram.com/martinodinapolirampolla -
Al son del ritmo marcado por su fundador Jay Vogoshi y de la mano de expertos artesanos, el vidrio realiza un baile hipnótico impulsado por una combianción de fuego y aire que termina en la creación de un objeto de diseño lleno de color y sensualidad. Así son los primeros pasos de Research and Design Lab, un laboratorio de diseño que nace en 2006 impulsado por una esteta devoción hacia la silueta y el color.
La cristalería soplada a boca por artesanos especializados con vidrio borosilicato de gran resistencia, la cerámica de loza hecha a mano y esmaltada con técnicas atávicas, y las fibras nobles de las mantas tejidas a mano, son testigo del profundo respeto de esta casa por la manufactura tradicional italiana.
La firma de diseño afincada en Milán representa la admiración por una estética sofisticada cuyos estándares se obtienen únicamente a partir del trabajo artesano y el empleo de un material de la más alta calidad. “La investigación y el diseño están en el corazón de nuestros proyectos. Junto a artesanos y pequeños fabricantes tradicionales, trabajamos para crear productos altamente distintivos que sean funcionales, sostenibles y significativos para la vida moderna”, explica Jay.
Contrario a la corriente de consumo voraz de su sector, R+D.LAB apuesta por un lujo austero y alejado de ornamentaciones innecesarias que pone en el centro al diseño funcional, racionalista y elegante. Su trabajo parte de una postura ética ante el sistema, donde los objetos pueden y deben ser utilizados, disfrutados y vividos. No son obras de arte que admirar sino útiles con una funcionalidad diseñados para perdurar. Según Jay, “lo que está pasando en la moda también está sucediendo en el diseño. Es lo que yo llamo fast design. Nuestra filosofía es todo lo contrario. Queremos que la gente pase nuestro producto de generación en generación”.
El diálogo transversal y sin imposiciones con los artesanos, expertos en el material, define la fórmula de trabajo en R+D.LAB: “Nos dejamos guiar por los expertos manufactureros en el proceso de producción. Colaboramos con ellos y los involucramos, porque son quienes realmente conocen las posibilidades de creación de nuestro diseño”.
“Vivimos y trabajamos en una ciudad que se convirtió en lo que es hoy después de la guerra, cuando algunos arquitectos y diseñadores de todo el mundo vinieron a reconstruirla. Milán es diferente, es una ciudad de belleza escondida, austera”
El color, que inunda y llena de vida cada una de sus colecciones, es otro punto de fuga de R+D.LAB con respecto a la tendencia actual. “Quizá provenga de mi experiencia en moda”, explica Jay. “El color es vida y emoción. Cuando estábamos en la sesión de fotos con Martino Di Napoli Rampolla, éste dijo “estos colores son muy hermosos. Me recuerdan a algo”, a lo que le respondí “claro, te recuerdan a la cocina de tu abuela. La forma y el color te recuerdan a ese período. Y sí, son las mismas formas y colores, pero con un diseño actualizado”.
La gran presencia del color viene inspirada en el Milán neo-racionalista de los años 50, 60 y 70. Paradigma de una belleza austera cuyo atractivo se va desvelando poco a poco, esta ciudad tiene un gran significado para el trabajo de R+D.LAB: “Es parte de nuestro ADN, nuestra inspiración. Vivimos y trabajamos en una ciudad que se convirtió en lo que es hoy después de la guerra, cuando algunos arquitectos y diseñadores de todo el mundo vinieron a reconstruirla. Milán es diferente, es una ciudad de belleza escondida, austera, y es precisamente ese equilibrio entre lujo y frugalidad el que quisimos transmitir en las fotos de nuestra nueva colección”.
LAPALA by MANEL MOLINA
CON EL VIENTO A FAVOR
CON EL VIENTO
A FAVOR
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Publireportaje sobre la silla Lapala diseñada por Manel Molina para Expormim.
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“El mar puede ser bravo, calmado, llevarnos a buen puerto o dirigirnos al centro del huracán. Con el viento a favor, todo parece ser posible y con las manos en el timón, creemos ser nosotros quieres indicamos el rumbo”
El mar puede ser bravo, calmado, llevarnos a buen puerto o dirigirnos al centro del huracán. Con el viento a favor, todo parece ser posible y con las manos en el timón, creemos ser nosotros quieres indicamos el rumbo.
Lapala fue de las primeras sillas que Manel Molina diseñó en su carrera. El gran reto de su composición era mantener la ergonomía necesaria en una silla con el mimbre como materia prima. La utilización de este material se limitaba por entonces a la combinación de paneles rectos de escasa adaptabilidad. Pero el diseño es solucionar problemas. Éste fue resuelto con tanto éxito que su ergonomía sería el referente de diversos modelos desarrollados posteriormente por Lievore Altherr Molina, el estudio fundado por Manel junto a sus colegas Alberto Lievore y Jeannette Altherr en 1991.
La realidad es que el rumbo no siempre depende de nosotros. La mala mar puede arrasarlo todo y hacer que vayamos a la deriva. El temporal había encallado la vida de Lapala. Ésta podría haber quedado en el fondo del mar y caer en el olvido pero Lievore Altherr Molina se resistía a ello. El estudio de diseño vio en Expormim la impronta necesaria para ponerla a salvo.
El gran oficio y capacidad creativa de la antigua Exportadora de Mimbre, les situaba como la única empresa capaz de reinventar la colección y mejorarla en todos los aspectos y en todas sus variantes: sillón comedor, silla, sillón y taburete. Su equipo fue clave a la hora de dar con el material idóneo para una estructura eminentemente curva: la cuerda náutica. Una aliada que infiere una pátina de resistencia a su delicada y discreta elegancia, al tiempo que refuerza una estructura de gran fortaleza compuesta por acero inoxidable pintado. El resultado es un diseño de gran belleza mediterránea articulada sobre un leguaje sencillo y funcional que aúna sobriedad, ligereza y versatilidad.
SANGLAS 400
HOMENAJE A LOS VALORES DE YAMAHA
HOMENAJE A LOS VALORES DE YAMAHA
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Introducción a la exposición conmemorativa de los 40 años de la motocicleta Sanglas 400.
Primavera de 2021.
El pasado mes de noviembre se cumplieron 40 años de la adquisición de Sanglas, una de las primeras marcas españolas de fabricación de motocicletas nacida en Barcelona en 1942. Para Yamaha, cuya sede española ha estado situada en la capital catalana desde entonces, la absorción de esta empresa creada a partir del esfuerzo de dos hermanos estudiantes de ingeniería, supuso la entrada al mercado español y el nacimiento de una nueva familia alrededor de los valores transmitidos por el entonces presidente de la compañía, Genichi Kawakami (Japón, 1919-2002).
Impulsor de la creación de Yamaha Motor Co. Ltd., fue bajo la dirección de Kawakami cuando la fabricación de motocicletas entró en la compañía como nueva línea de negocio. Audaz como pocos, Kawakami estaba decidido a crear una motocicleta que aportase un valor al mercado existente. Su deseo era crear algo nuevo y exclusivo sin renunciar a valores como la honestidad y el esfuerzo.
Yamaha adquirió Sanglas en 1981 cuando la empresa catalana contaba con escasos recursos para hacer frente a la innovación que el mercado reclamaba en ese momento y a pesar de su consolidación tras el éxito del modelo SANGLAS 400. Clave en la pedagogía de la sociedad española con respecto al uso de la motocicleta, treinta años después de su fundación, a Sanglas quedaban más deberes y obligaciones que satisfacciones.
“Camina con tus predecesores y forja el futuro con tus compañeros de todo el mundo”, fue una de las consignas que el Sr.Kawakami dejó escrita en la historia de Yamaha. La tradición, la identidad y el respeto son los fundamentos del camino recorrido por Yamaha en sus casi 70 años de historia y continúa muy presente en la Global Yamaha Motor Group.
El cuarenta aniversario de la adquisición de Sanglas supone un homenaje a dichos valores y una efeméride que nos invita a echar la vista atrás y observar en el camino recorrido hasta llegar a un presente de consolidación de nuestra marca en torno a los principios que se dan encuentro en lo que hoy llamamos The Global Yamaha Way.
Jaime Hayon
ESPÍRITU REBELDE
Jaime nunca se ha sentido identificado con ninguna etiqueta en particular. La audacia, el coraje y la fuerza de Philippe Starck fueron una gran fuente de inspiración cuando comenzó en la escuela de diseño: “ese espíritu rebelde que se atreve a romper las reglas”.
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Entrevista a Jaime Hayon en relación a su colaboración con Expormim.
Publicado en inglés.
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Fotos de Mari Luz Vidal
mariluzvidal.comExoprmim
expormim.com -
ESPÍRITU REBELDE
Elegante, cálida, ligera y vitalista, definir la colección Frames de Expormim, es como describir la personalidad de su diseñador, Jaime Hayon. Este soñador de profesión —que diseña, dibuja y, sobre todo, crea— convierte en posible aquello que parece inalcanzable. De naturaleza indómita, su imaginario se construye a partir de la incesante creación de nuevos retos sin reparar en límites o dogmas. El dibujo es su oxígeno y, como tal, lo practica a todas horas: desayunando junto a sus hijos, haciendo la compra en su adorado Mercado Central de Valencia –donde reside- o de cañas con los amigos.
Jaime nunca se ha sentido identificado con ninguna etiqueta en particular. La audacia, el coraje y la fuerza de Philippe Starck fueron una gran fuente de inspiración cuando comenzó en la escuela de diseño:“ese espíritu rebelde que se atreve a romper las reglas”. Como diseñador, las ideas de Hayon tienen una fuerte faceta artística intrínseca. “El arte me interesa como una poderosa plataforma altamente expresiva para la libertad creativa”. Gracias a la forma distintiva de Hayon de combinar disciplinas, en Fábrica –el prestigioso campo de pruebas para la experimentación creativa en Treviso, Italia, donde fue después de completar sus estudios en el Instituto Europeo di Design– desarrolló un estilo propio. Para este incansable trotamundos, viajar es una oportunidad para descubrir nuevas formas de hacer las cosas y nuevos desafíos. “Viajar es estimulante. Es una oportunidad para aprender. Dondequiera que voy encuentro nuevas fuentes de inspiración”. El color, la forma y la composición son los puntos de partida de todas y cada una de sus creaciones. Sus más de doscientos cuadernos de dibujo dan testimonio de todas sus ideas. Reflejan el mundo interior de este diseñador madrileño de alma mediterránea, desde las imágenes más oníricas a las más técnicas, además de sus ideas para futuros proyectos.
“El arte me interesa como una poderosa plataforma altamente expresiva para la libertad creativa”
La honestidad y dedicación de Expormim, unida a su esfuerzo por recuperar el oficio, fueron claves para Jaime, quien se propuso trabajar el rattan de una manera que no fuera la habitual. Compuesta por paneles que forman al mismo tiempo cuerpo y ergonomía, la colección Frames fue un éxito desde su lanzamiento en 2014. Dos años después recibiría el German Design Award 2016 y este mismo año ha sido reconocida con el If Design Award 2019.
Camino de convertirse en un clásico contemporáneo, la colección Frames es de aquellas obras que define el pasado, el presente y el futuro de Expormim. Una mezcla de rusticidad y sobria distinción que, unida a su estética simple pero sofisticada, ha llevado a la casa valenciana con más de 60 años de trayectoria, a dar un nuevo paso en su camino hacia el reconocimiento no sólo de una labor sino de un material, el rattan, tan tradicional como actual.
Christophe Mathieu
PIOLA
¿Cómo conseguir que una lámpara transmita la ligereza de una cinta que gira en espiral sin fin? La colección Piola trata justamente de imitar esta fluidez de movimiento infinito, que flota alrededor de la luz, en busca de un equilibrio entre la difusión de luz y la creación de sombras.
Un eje central formado por un tubo de metal sujeta más de 5 metros de cinta laminada en espiral que envuelve la luz, la protege y la tamiza para conseguir ambientes de confort y bienestar. Y es que en la Piola conviven varios tipos de luz: luz directa hacia abajo, indirecta por reflexión, y la que se cuela entre la cinta que ilumina el objeto en sí.
Brand Series, Creative Direction in Production, Strategy and Design Thinking. Marset. 2018
PIOLA
Christophe Mathieu , 2017
JAUME RAMÍREZ
COPÉRNICA
Con tan solo las yemas de los dedos, uno puede tener la sensación de ingravidez al mover la lámpara Copérnica. Como si levitara, apenas se nota su peso, se desplaza por el espacio de forma precisa sin fricción ni resistencia.
Círculos, semicírculos, tubos y barras de diferentes diámetros y grosores, materiales y pesos distintos… Con todos estos elementos primarios, la colección Copérnica construye esculturas geométricas de luz, que establecen una relación íntima con el espacio y combinan funcionalidad con la belleza de las líneas puras.
Brand Series, Creative Direction in Production, Strategy and Design Thinking. Marset. 2018
COPÉRNICA
Ramírez i Carrillo , 2017
JOAN GASPAR
JAIMA
Dressing the light
JAIMA
Joan Gaspar , 2017
entrevista a joan gaspar para marset en colaboración con FOLCH.
Con el textil como lenguaje, Joan Gaspar ya no trata solo de diseñar sino también de confeccionar y para ello utiliza un material dúctil, flexible, que tamiza la luz, que se mece con el viento pero se mantiene firme. En la colección Jaima la luz es la pantalla y el tejido la emoción.
Esta colección toma el nombre de Jaima, esa tienda propia de los beduinos del norte de África, inspirándose en sus telas y sus formas. La pantalla de textilene está disponible en tres tamaños y cuatro colores distintos pero con el interior siempre en blanco para optimizar la calidad de la luz que es directa y hacia abajo. Una vez definido el difusor, se añade una estructura versátil con cambios de altura y rotación que permite lanzar la luz, moverla y hacerla más o menos extensible.
Brand Series, Creative Direction in Production, Strategy and Design Thinking. Marset. 2018
GUISE by STEFAN DÍEZ
REFLEXIÓN INTERNA TOTAL
REFLEXIÓN INTERNA
TOTAL
Cuando era pequeña tenía miedo a la oscuridad. Las sombras generadas por la escasez de luz me inquietaban. Recuerdo despertarme en mi habitación mientras mis padres estaban en el salón, viendo la televisión o tomando una copa. Es curioso cómo encendiendo la pequeña lámpara a mi lado, me sentía protegida y en un lugar seguro en el que refugiarme.
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Publireportaje sobre la lámpara Guise diseñada por Stefan DíeZ para Vibia.
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La luz es un haz que únicamente podemos abrazar, acompañar y aupar. Por eso, el diseño de aquella forma que la dibuja, decide su proyección y potencia. Para Stefan Díez, la idea de explorar la relación entre luminosidad y transparencia fue el punto de partida para crear la colección de lámparas Guise. Su fórmula de trabajo surge habitualmente de la búsqueda de un método integral. En este caso, el creador ambicionaba la reflexión interna total.
“El misterio de la luz, de su origen, forma y percepción ha sido estudiado y analizado por la filosofía desde hace siglos. Según sea ésta, así será nuestro mundo y así se ordenará nuestro pensamiento.”
Partiendo del principio de que la luz permanece invisible hasta que llega a un borde, dio con el vidrio como el material adecuado para moderar dicha relación. Tratar de darle forma mediante el uso de la transparencia es un reto difícil de asumir, pero tanto a Vibia como al diseñador, les gusta la idea de establecer una meta sobre la que construir soluciones innovadoras. El disco fue el punto de partida de la colección. En ella, la pared sostiene la luminaria y actúa como reflector, lo que permite percibir la lámpara como un cuerpo radiante que flota en el espacio desprendiendo un halo perimetral. En su versión tubular, el haz viaja a través del cilindro y se hace visible cuando alcanza los patrones grabados en el vidrio, el material reflector de esta sinuosa versión.
El misterio de la luz, de su origen, forma y percepción ha sido estudiado y analizado por la filosofía desde hace siglos. Según sea ésta, así será nuestro mundo y así se ordenará nuestro pensamiento. Vibia diseña piezas y genera lenguajes para su interpretación. Si el mito de la caverna de Platón nos enseñó que las sombras deforman nuestra percepción y ahogan nuestro pensamiento, es sólo a través de la claridad cuando el mundo puede entenderse en su complejidad. Yo ya no tengo miedo a la oscuridad, pero la luz sigue siendo mi refugio. Vibia lo resume así: la vida es más bella cuando la luz forma parte de ella.