CASA BERNAL
A FLOWER AMIDST THE RUBBLE
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Story about Casa Bernal for Openhouse magazine Nº20.
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Written by Inma Buendia inmabuendia.com
Photographed by Luis Garvan luisgarvan.com
Chic by Accident chicbyaccident.com -
A FLOWER AMIDST THE RUBBLE
As if they were heroic deeds, history extols the actions of individuals who – despite adverse circumstances – find success during their lifetime. While society acknowledges their perseverance and strength, intuition – that mental state that allows our senses to pinpoint the moments when we must act and the opportunities we must not squander – is rarely mentioned.
Marcos Ruiz is one of those individuals with good instincts, delighting in the process of construction and self-construction. I meet with him at his home in Mexico City. Sparsely furnished, one can sense the meditated decision behind the few items found in the house. They all make a statement, have an extraordinary presence and are imbued with great character. We take our seats on the majestic sofa, where he begins relating the journey of his profession – past, present and future. I discern common features throughout: a refined aesthetic taste and a sincere interest both for the history of humanity and for the objects that have adorned it throughout time until the present day. “I believe that interior design is like collecting because it’s a form of expression. At the end of the day, you’re telling a story; it's a language in itself – albeit a very abstract language – but it serves to tell a story.”
Born and raised in Querétaro, Marcos has resided in Mexico City for more than fifteen years, although he has temporarily lived in other places. “When I moved here, I began acquainting myself with the city’s art galleries.” Little by little, he learned how to be a curator, a collector, acquiring the artistic eye that would lead him to construct his own creative universe. Despite coming from a different background, he has always admired architecture, design and art. “I’m fascinated by the creative process of bringing an idea to life. And I find interior design extremely exciting. It’s one of the things I most enjoy.” And so, when his family decided to rid themselves of the pile of rubble that Casa Bernal had become, Marcos decided to save it and restore it. A symbol of a key period in Mexico’s history, the house was once of great use to the local community: “It’s in a very small village where there was nowhere like the Bank of Mexico where you could take out or keep your money. All the mining companies in Huasteca Potosina used it as a stopover before going on to Mexico City and they'd keep everything inside the house, which operated as a sort of bank. But, after the revolution, it was looted and abandoned.”
In order to make the Casa Bernal project come true, Marcos turned to Emmanuel Picault and his architecture firm, Chic by Accident,. “It was a very motivating and enriching experience. He's got an impeccable eye and a stage design aesthetic that’s reflected in the house.” Marcos speaks from his own experience. Emmanuel had handed him the keys shortly before the pandemic hit. Mexico City was deserted, so he decided to move to Bernal temporarily. “We spent about four or five months there with just two mattresses. There’s nothing quite like enjoying a house by experiencing it. It’s a very small village, very beautiful but very quiet. I’d go out in the morning in my pyjamas to buy eggs and there was nothing. It was crazy.”
The result is extraordinarily bold because, in many ways, both Emmanuel and Marcos allowed the house to express itself. “We did a great job with the landscaping, particularly with the old outer shell. Actually, [the house] has no roof or anything; it’s like a really manual abstraction. The back of the plot – where the stables once were – was empty, so we decided to do this crazy thing. Entering this old shell, with plants and cacti growing alongside the walls, is like walking into another dimension. You don’t know what’s going on. Suddenly, you reach this pool with views of a giant rock, the third largest in the world after Gibraltar. Emmanuel has managed to make you feel as if you're in the middle of nowhere.”
Marcos’s idea was always to turn the house into a space to entertain family and friends. “My nephews and nieces are always asking me if they can bring their friends here. The house really has given me everything I wanted. I knew it was a beautiful place that could be given a new lease of life. That's been achieved, and I’m very happy with it.”
While the pool could be considered the true hero of the space, the way the entire project has evolved has made Casa Bernal a truly admirable creation, in addition to being incredibly liveable. The structure converses with the landscape, accompanies it, is nourished by it, and together they create a picture that radiates with life, like a splendid flower that subtly finds a way to bloom amidst the rubble.
EVERY FORM OF POETRY
GABRIEL ESCÁMEZ
SELECTED BY GABRIEL ESCÁMEZ
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Photos by Clemente Vergara.
Words by me ;)
Cobalto Studio. -
Gabriel Escámez embodies everything one can attribute to a total artist. He possesses genius, sensitivity, charisma, overflowing energy, and great determination to achieve the desired outcome in each of his projects. When you are near someone with the tenacity and talent he possesses, their energy rubs off on you, which drives you to strive for excellence.
We find him at Cobalto Studio, the space that Gabriel and his team inhabit in Barcelona. A sort of art gallery, creative workshop, sensory archive, and office adorned with objects that are as emotive as they are beautiful. The entrance greets us with intriguing pieces of noble and pure materials. To the left, a long table is positioned in front of the glass facade, activating a dialogue between the interior and exterior. At the back of the studio, a resting area or small lounge leads to the more functional space. A wardrobe runs along the area of work tables. A hat, several drawings, photographs, ceramics, and other unique objects rest on top of it.
Gabriel shows us some of the items he has brought to add a personal touch to the article: the guitar that once belonged to his father, his unintended collection of white Vans sneakers, and some effects that are part of his particular creative universe. His enthusiasm for including them in the selection is more than noticeable. At the end of our visit, he decides that one of the 'artistic installations' he has arranged for the photos will be exhibited at Cobalto Studio for at least a few hours. "Could be fun, right?" he asks rhetorically in a question that summarizes all his persona at once.
After photographing the objects chosen for this 'Selected by,' we sit down to chat over a cup of coffee around the majestic table that welcomes Cobalto Studio’s visits. Relaxed, delighted by the soft winter sun streaming in through the windows, we converse about poetry, music, work and life in a brief but exquisite gathering.
Do you remember the first time you bought something with a collector's consciousness?
I don't think I've ever bought with the intention of collecting, just something I loved at that moment and wanted to have. There's something very romantic and poetic about how things age. It's not just the piece itself but its evolution. The study or appreciation of its aging process. There are nuances that can't be achieved otherwise.
What is the main characteristic that attracts you to an object?
I believe it's a matter of proportion. Volume is essential. Then also the story it may carry: the patina, the aging, and the materiality.
Have you always created spaces? Do you remember yourself, even as a child, doing so?
Yes, I made still lifes at four years old. It's something that came to me very naturally and it's healing because when I do it, the perception of time disappears, and I feel good.
How do you think the beauty of our surroundings influences our mood?
This journey we're on here, at least in my case, if it isn't surrounded by beauty, would probably lack meaning.
In your interior design projects, you seek to connect the space with the most primal aspect of the place. How do you go about that search?
First, you have to interpret the space, the location, and the many factors that influence it, to then be able to develop the space's own story. Fortunately, we have many clients who allow us to generate the storytelling from scratch and even want each space to have uniqueness. It's something that keeps me alert and prevents me from getting bored.
Regarding the selected objects for this article, tell us about the Vans. What attracts you to them? When and how did you decide to bring this collection to us?
Well, I think it happens to a lot of people. When you get used to a pair of shoes and you find it impossible to stop wearing them even in inappropriate moments. You're dressed in a tuxedo and suddenly you want to wear Vans because you can't see yourself with any other footwear even though I have other very interesting ones too. Thinking about how to bring the selection closer to the character, it occurred to me that this really defines me.
What can you tell us about your father's guitar that is part of the selection?
I brought it because I started again with lessons and wanted to play this specific guitar, but in the end, I decided to go back to the piano. It's always beautiful to have something from my father who is no longer here. It symbolizes him and is still part of his presence and his enthusiasm that accompanies me.
Is there any place that if you could collect, would be part of your particular 'Selected by'?
One of the spaces that has given me the most Stendhal syndrome has been the Maeght Foundation. I think it's the most barbaric and beautiful place I've ever been. I would love to live there. I like the materiality, the place, the vegetation, the art pieces... everything. I believe it's the epitome of everything I expect from life.
How was the design and search for the current Cobalto Studio?
I found this place with the idea of having a more comfortable space to centralize the warehouse and the studio. Now we are much more focused on art direction, set design, interior architecture, and projects that are more related to the essence of the studio. The cataloging of the space and everything related to the archive is only 3% of what we do today.
When and how was La Cobalta born?
It started parallel to Cobalto and emerged to discuss topics that were the soul of Cobalto, generating a language that appeals to the poetic, the cultural, and the wildness of the Mediterranean coast.
There is a lot of poetry in your life. It is very present in your way of explaining your work.
I love reading poetry but poetry isn't only written, you can find poetic elements in an act, in a light, in a photograph, in a person, in the way someone else speaks...
What projects excite you now?
Well, I'm very happy with projects that are to generate spaces but where storytelling is very much linked. It's much more fun because we can generate concepts linked to the overall image that don't just involve space. It's much richer, it's more sociocultural.
Music is also very present in Cobalto and in your personal life. What do you listen to the most?
What I listen to the most, and I think it also goes very much in line with what we have represented in the selection and representation of objects, is jazz. I love everything that was done in the early 20s of African music, but derived towards jazz. It's like a reinterpretation of cubism-brutalism. It's cubist, but taken to the African. If I had to summarize it in just one song, it would be the ‘Love Theme From Spartacus' by Yusef Lateef included in the Eastern Sounds album of 1961.
Six N. Five
MATERIALIDAD
Y
ABSTRACCIÓN
Ezequiel Pini e Isern Serra
MATERIALIDAD
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ABSTRACCIÓN
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Item description
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Art direction by Isern Serra and Openhouse Studio
Art direction assistance by Aasheen Mittal and Inma Buendía
@aasheenm
Photographed by Martina Matencio martinamatencio.com
Photography assistance by Xavi Garcia xavigarcia.work
Styling by Jaume Vidiella jaumevidiella.com
Styling assistance by Laia Tornil @lalabananaltg
Production by Lucía Palazzi @luciapalazziandreu
Model Shannon Cheung from Fifth Avenue Models 5thmodels.com
Make up & Hair by Bárbara Mattel deKasteel Artist Management @barbaramattel @kasteelartistmanagement.com
Six N. Five sixnfive.com
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Para los nacidos en los años 80 y 90 (entre los que me encuentro), hay imágenes que marcaron en la niñez la idea de lo que serían las primeras décadas del siglo XXI. Películas como Regreso al Futuro y Blade Runner nos invitaron a soñar con nuestro presente, entonces un futuro que se percibía como muy lejano, cuando la era de los ordenadores domésticos y los móviles estaba en una fase inicial. Desconozco si la realidad ha superado la ficción, pero sí me atrevería a decir que quizá uno de los factores del éxito de Ezequiel Pini, sea el hecho de haber crecido digitalmente al mismo tiempo que lo hacía la tecnología. Su proyecto, Six N. Five, es una plataforma creativa que diseña mundos virtuales en los que retuerce el imaginario construido socialmente hasta crear un lugar nuevo que parte de la realidad humana, pero que intenta ir mucho más allá de esta.
Para Ezequiel, el 3D es una herramienta creativa y él un artista digital. “Siempre tuve interés por la parte artística y creativa, pero también tengo una parte tecnológica muy fuerte. En la escuela secundaria, en Argentina, elegí la especialidad de informática. Después entre las carreras universitarias disponibles, escogí estudiar diseño gráfico y, mientras, fui explorando distintos ámbitos como la programación web, la animación y el diseño por código. Hasta que en un momento encontré que utilizando el 3D como herramienta tenía más libertad para representar mis ideas de una manera realista”. Six N. Five comenzó en 2014, y unos años más tarde, justo después de mudarse a Barcelona, Ezequiel empezó a explorar su propio estilo, experimentando con paisajes y objetos con el 3D como punto de partida, hasta diseñar realidades no representativas ni descriptivas sino propias.
Cuando hubo de plantear el proyecto en términos formales a partir de un espacio físico, Ezequiel contactó con Isern Serra para diseñarlo. Este último llevaba un tiempo, al principio junto a Toni Arola y después en su propio estudio, dando respuesta a necesidades de una nada desdeñable cartera de clientes, cuando el diseño de su propia casa dió un giro a su carrera: “Cuando comienzas es más complejo mostrar lo que te gusta porque estás sujeto a lo que te piden. El proyecto de mi casa tuvo bastante repercusión, supuso un gran cambio en el estudio y así fue, también, como me conoció Ezequiel”.
El diálogo entre los dos a la hora de crear las oficinas de Six N. Five fue constante. Eso sí, con las fricciones propias entre la construcción digital y la real, lo que llevó a ambos a auto-cuestionar su modo de trabajo: “Ezequiel compone los espacios digitales como si fueran obras estáticas. No lo percibe tanto como un espacio real. Pero, en cambio, estéticamente estamos muy sincronizados porque nuestras referencias son muy parecidas. Tuve mucha libertad”. Para Ezequiel, el hecho de no poder visualizarlo digitalmente, supuso un pequeño desafío: “En un momento dado, yo necesitaba ver render porque todo mi proceso creativo es muy visual e instantáneo. Necesito verlo”.
“Ezequiel compone los espacios digitales como si fueran obras estáticas. No lo percibe tanto como un espacio real. Pero, en cambio, estéticamente estamos muy sincronizados porque nuestras referencias son muy parecidas. Tuve mucha libertad.”
El resultado es fiel reflejo de las dos personalidades y representa un nuevo paradigma en el que lo digital ha pasado a influir en el trazo estilístico de los espacios físicos que habitamos. “Me gustaba la idea de un lugar de trabajo que fuese un poco casa también. Que fuera muy cálido porque al final pasamos muchísimas horas acá”, explica Ezequiel. La mesa, el sofá y la apertura de muros hacia la terraza son elementos que aparentemente no responden a los de una oficina.“La mesa es mínima, pero no es minimal, porque la desarrollamos desde la arquitectura. Tiene un peso y un valor, pero no contiene mucho detalle. Es casi brutal”, resume Isern, quien continúa reflexionando: “Con el tiempo, el diseño fue adoptando las actitudes y las maneras de trabajar de Ezequiel”. La fisionomía de Six N. Five responde a una serie de valores donde los elementos estáticos del interiorismo ayudan a que el proyecto se mantenga alejado de cierta tendencia de crecimiento que Ezequiel no percibe como algo necesariamente bueno. “La mesa principal de trabajo, si bien es grande, quería que tenga una cantidad muy limitada de posibles puestos de trabajo. Al ser estática y de concreto me obligaría a no seguir la tendencia de expansión, y de esta manera tener que tomar proyectos que quizás no quiera para mantener una estructura más grande. Expandirse supondría transformarse en un estudio de los clásicos, una máquina de hacer proyectos comisionados, y yo nunca me vi ahí. Me gusta más la idea de pequeño taller de arte, donde cada pieza se hace a medida”.
Abierto al público gracias a la incorporación de Three Marks Coffee, una tienda/cafetería que invita a refugiarse del ruido exterior y sentarse a degustar un buen café, la ‘casa’ de Six N. Five es fruto de un diálogo entre la materialidad y la abstracción. La interpretación empírica de un diseñador de interiores, Isern Serra, de un mundo creado por un artista digital, Ezequiel Pini, que no puede tocarse pero puede sentirse.
Six N. Five
MATERIALITY
&
ABSTRACTION
Ezequiel Pini & Isern Serra
MATERIALITY
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ABSTRACTION
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Written text about Six N. Five, the scenario for the editorial of the issue.
The editorial is the section of the magazine where Openhouse places pieces of contributor brands in a paradigmatic place.
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Art direction by Isern Serra and Openhouse Studio isernserra.com
Art direction assistance by Aasheen Mittal and Inma Buendia
@aasheenmWritten by Inma Buendía inmabuendia.com
Photographed by Martina Matencio martinamatencio.com
Photography assistance by Xavi Garcia
xavigarcia.workStyling by Jaume Vidiella jaumevidiella.com
Styling assistance by Laia Tornil @lalabananaltg
Production by Lucía Palazzi @luciapalazziandreu
Model Shannon Cheung from Fifth Avenue Models 5thmodels.com
Make up & Hair by Bárbara Mattel deKasteel Artist Management @barbaramattel @kasteelartistmanagement.com
Six N. Five sixnfive.com
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For those born in the 1980s and 90s (of which I am one), certain images from our childhood strongly imprinted our minds with an idea of what the first decades of the 21st century would look like. Films such as Back to the Future and Blade Runner invited us to dream of what is now our present, back then a future that was perceived as distant, and when the era of home computers and mobile phones was in its infancy. I don't know if reality has surpassed fiction, but I would venture to say that perhaps one of the factors behind Ezequiel Pini’s success is the fact that his growth in the digital world has mirrored that of technology. His project Six N. Five is a creative platform that designs virtual worlds in which he twists the socially constructed, collective imagination in order to create a new place that begins with human reality but with the intention of going far beyond it. To the point where there is no limit.
Ezequiel’s belief is that 3D is a creative tool and he a digital artist. “I’ve always been interested in the artistic and creative side, but I also have a very strong technological side. During my secondary education in Argentina, I chose to specialise in computer science. Then, of all the university courses available to me, I chose to study graphic design, while exploring such different fields as web programming, animation and designing in code. That was until I found that using 3D as a tool gave me more freedom to represent my ideas in a realistic way.” Ezequiel founded Six N. Five in 2014. A few years later, just after moving to Barcelona, he began to explore his own style, and he experimented with the 3D design of landscapes and objects as a starting point until he developed realities that were neither representative nor descriptive, but its own.
When a project required a formal design in terms of a physical space, Ezequiel contacted Isern Serra and entrusted it to him. The latter had been working for some time, initially with Toni Arola, and then at a studio of his own, catering to the needs of a not insignificant portfolio of clients. However, Isern’s career reached a turning point with the design of his own home: “When you start, it’s more difficult to show what you like because you’re bound by what you’re asked to do. The design of my own home had quite an impact; it brought about a big change in the studio, and it was also how Ezequiel got to know me.”
There was constant dialogue between the two on the project to design the Six N. Five offices. However, it also brought about friction between the digital rendering and real construction, which led them both to question themselves about their way of working: “Ezequiel lays out the digital spaces as if they were static works. Therefore, he doesn’t perceive space so much as a reality. But, on the other hand, we are very much in sync in terms of aesthetics because our references are very similar. I had a lot of freedom.” For Ezequiel, not being able to visualize the project digitally posed a small challenge: “At one point, I needed to see renderings because my whole creative process is very visual and spur of the moment. I need to see it.”
“Ezequiel lays out the digital spaces as if they were static works. Therefore, he doesn’t perceive space so much as a reality. But, on the other hand, we are very much in sync in terms of aesthetics because our references are very similar. I had a lot of freedom.”
The result is a true reflection of the two personalities and represents a new paradigm in which the digital has come to influence the stylistic outline of the physical, inhabited spaces. “I liked the idea of a workplace that also worked a bit like a home. I wanted it to be very warm because ultimately we spend so many hours here,” Ezequiel explains. The table, the sofa and the way the walls open out onto the terrace are features that apparently do not correspond to those of an office. “The table is minimalist, but it isn’t minimal, because we designed it from an architectural perspective. It has weight and value, but it doesn’t contain much detail. It’s almost brutalist,” Isern declares, adding: “Over time, the design gradually adopted Ezequiel’s mindset and ways of working". Six N. Five’s physical appearance responds to a series of values where the static elements of the interior design help the design to eschew a certain trend for expansion that Ezequiel does not necessarily perceive as a good thing. “For the main work table, while large, my intention was that it should have a very limited number of potential workstations. Being static and specific would force me not to follow the trend to expand, which would mean having to take on projects I may not want to take on in order to maintain a larger structure. Expanding would mean becoming a conventional design studio, a machine to churn out commissions, which I never envisioned myself to be. I like the idea of a small art workshop, where each piece is made to measure.”
Open to the public thanks to the addition of Three Marks Coffee, a coffee shop and retail space that invites you to take refuge from the noise outside and sit down to a good cup of coffee, the ‘home’ that Six N. Five has become is the result of a dialogue between materiality and abstraction. It’s the empirical interpretation made by an interior designer, Isern Serra, of a world created by a digital artist, Ezequiel Pini, that cannot be touched, but it can be felt.
Casa Vagantes
SOMOS INSTANTES
SOMOS INSTANTES
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Reportaje sobre Casa Vagantes en base a nuestra estancia y visita a varios de las casas de huéspedes del proyecto, y la entrevista a Gina Góngora y Fernando Gómez, fundadores del mismo.
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Openhouse magazine
Issue Nº19 -
Fotografiado por Mari Luz Vidal
https://www.mariluzvidal.com
Casa Vagantes
https://vagantes.squarespace.com/ -
Son las cinco de la tarde de un domingo de junio en Mérida, Yucatán (México) y volvemos de visitar las ruinas de Uxmal de la mano de Fernando Gómez Vivas, arquitecto y cofundador, junto a Gina Góngora, de Casa Vagantes. Un proyecto que arrancó con un alojamiento en el centro de la ciudad hace tres años y que hoy cuenta con cuatro casas más, además de convertirse en uno de los estudios de arquitectura e interiorismo más estimulantes y audaces de la zona.
Caloncho suena en los altavoces del coche. Es la primera vez escuchamos su música pero ya parece meternos su ritmo por dentro como si conociéramos toda su discografía de antemano. Tan familiar como lo es el propio Fernando, quien se convierte en fuente inagotable de recomendaciones: música, arquitectura, historia de Yucatán… Su hospitalidad y la de Gina son excepcionales. Pese a ser su único día libre de la semana, de regreso a Mérida, Fernando se desvía para mostrarnos una hacienda espectacular con una suerte de anfiteatro romano donde aún se perciben los restos de la boda que ha tenido lugar el día anterior.
Para Gina y Fernando, la península de Yucatán es mucho más que el lugar en el que nacieron y crecieron. Su objetivo es generar la visita de viajeros que busquen autenticidad, dignificando un área que se ha convertido en destino turístico, mediante la creación de alojamientos que respeten su historia, su tradición y que pongan en valor sus costumbres. Aunque nada en esta vida es casual, este proyecto vital sí nació de forma inesperada. Gina llevaba unos años trabajando para Vogue en Ciudad de México cuando, en una visita a su familia por vacaciones, decidió no volver a la capital: “Me ofrecieron un trabajo en unos hoteles que son bellísimos aquí, los Coqui Coqui, y durante cinco años estuve muy pegada a Francesca, su dueña y cofundadora”. A Gina siempre le había ilusionado la idea de vivir en el centro de Mérida, donde ya residía parte de su familia, de modo que, hace ahora unos cuatro años, comenzó a buscar una casa junto a Fernando. “Se dio la oportunidad y compramos la primera casita, que es muy chiquitita. En los primeros planes de vivirla”, explica. El presupuesto para la reforma no era muy elevado, de modo que descartaron modificar estructuras o techos y optaron por reciclar lo máximo posible. “Raspando las paredes salió este color verde que, junto al piso, también verde, es tan característico de la casa”, resume Gina. A ambos les gustó la combinación de ambos planos en verde y decidieron aprovecharlo. “Cuando terminamos la reforma fue como ‘ok, creo que sí es muy chica para vivir aquí’. Para recuperar nuestra inversión comenzamos a rentarla. Tres meses antes de que nos agarrase la pandemia hubo una reserva tras otra”.
“Siempre dije que nos daba mucho coraje ver casas a las que casi se les había quitado la esencia por completo. Tal vez nuestra forma de hacerlo es un poco extremista, pero al final nos ha funcionado bien y decidimos que íbamos a tener esa filosofía de ahí en adelante.”
Las casas de la Ermita y Santa Ana llegaron poco después y emplearon los mismos parámetros para su remodelación. De alguna manera, aquella pared verde y ajada había marcado la personalidad de Casa Vagantes, un proyecto que hoy se define como “una comunidad de viajeros cuyas propiedades acogen a curiosos amantes de la imperfección y las experiencias únicas”. Su manera de entender la arquitectura y el interiorismo, desde la lealtad y el respeto, tuvo tan buena acogida que Fernando dejó el estudio de arquitectura del que era socio para dedicarse a todos los proyectos que estaban llegando gracias a la proyección de Casa Vagantes. Gina, por su parte, comenzó a realizar el interiorismo de los mismos, de forma orgánica, como había hecho en su propia casa.“Mi proceso es totalmente diferente al tradicional de un interiorista. Tengo un equipo que me ayuda con la parte técnica pero trabajo más como con el feeling de ir y cambiar in situ”. Sobre el terreno, sus gestos son los de un cirujano o un restaurador de obras de arte. Proyecto a proyecto, Gina y Fernando parecen estar reconociendo el trabajo de arquitectos e interioristas del pasado: personas anónimas cuya práctica existía cuando ambas profesiones tenían más que ver con el oficio y la necesidad de construir una cueva para refugiarse, que con aquella arquitectura mediática y grandilocuente que parece gritar ‘mírame’. “Siempre dije que nos daba mucho coraje ver casas a las que casi se les había quitado la esencia por completo. Tal vez nuestra forma de hacerlo es un poco extremista, pero al final nos ha funcionado bien y decidimos que íbamos a tener esa filosofía de ahí en adelante”.
Ahora el proyecto se extiende a Izamal, a Kantonyá y, quizá en breve, a Valladolid, pero para Gina, los primeros proyectos de Mérida tienen algo especial: “En el centro tenemos casas en Montejo, en Santa Ana y en Ermita Este, que son los barrios principales del Centro Histórico. Cada uno tiene historias diferentes, son de épocas diferentes, y también tienen vidas diferentes. La Ermita es un barrio súper vivo de gente de aquí. Si sales un domingo, puedes ver a los vecinos jugando en el parque. A Santa Ana ya se lo comió un poco la parte turística, pero sigue habiendo muchos negocios y oficinas allá. Y bueno, Montejo es como lo dicen, nuestros Campos Elíseos”.
Los ideales de Gina la alejan del boom arquitectónico que está viviendo Mérida, a pesar de que se alegra de la prosperidad que esto, en ocasiones, conlleva: “La verdad es que estoy con amor odio a la arquitectura. Siento como que la gente ha volteado a ver a los arquitectos de aquí y eso es bueno. Pero la sociedad y el crecimiento de la ciudad... Creo que nosotros vamos un poquito, no a contracorriente, pero sí hacia un lado”. Es consciente de lo que el mundo ve en su ciudad porque a ella también le apasiona: “Me encanta vivir aquí. Hay tantas cosas… No sé, ¡la playa está tan cerca! No hay tanto que hacer como en Ciudad de México pero bueno, siempre hay mucho que crear también. Cosas que descubrir”. Después de tres años de trabajo vertiginoso, en los que se han dedicado a proyectos de clientes, Gina busca ir más allá con Vagantes. “La verdad es que el crecimiento ha sido bastante grande porque empezamos en 2020. En dos años abrimos cinco casas. Casi una cada seis meses. Mi tiempo ahora está dedicado a los alojamientos, a los medios, a mejorar la firma. Hay mil cosas que quiero hacer porque siento que es más una marca de estilo de vida que otra cosa”.
Tras la completa jornada de inmersión en la historia de Yucatán, llegamos a Mérida mientras el estribillo de Caloncho parece anunciar el final: “Somos instantes, un ratito nada más. Seres fugaces que vienen y se van”.
Casa Vagantes
WE ARE MOMENTS
WE ARE MOMENTS
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Story about Casa Vagantes based on our stay in one of its guests houses and the interview done to Gina Góngora and Fernando Gómez, directors of the project.
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Photographed by Mari Luz Vidal mariluzvidal.com
Casa Vagantes vagantes.mx
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Openhouse magazine Casa Vagantes
It’s five o’clock on a Sunday afternoon in June in Mérida, in the Mexican state of Yucatán as we return from visiting the ruins of Uxmal with Fernando Gómez Vivas, architect and, together with Gina Góngora, co-founder of Casa Vagantes. A project that started with a house in the city center three years ago has today grown to four more houses and turned into one of the most exciting and adventurous architecture and interior design studios in the area.
Caloncho is playing on the car speakers. It’s the first time we are hearing their music, but its rhythm seems to resound inside us. As if we were already as familiar with their entire discography as we are with Fernando, who has become an inexhaustible source of recommendations: music, architecture, history of Yucatan... He and Gina have shown extraordinary hospitality. Despite being his only day off in the week, on our way back to Mérida, Fernando takes a detour to show us a spectacular hacienda featuring an amphitheatre in the Roman style where remnants of a wedding held there the previous day can still be seen
For Gina and Fernando, the Yucatan Peninsula is much more than the place where they were born and raised. Their aim is to encourage visits from travelers seeking authenticity, to honor an area that has become a tourist destination, by creating accommodation that shows respect for its history and traditions, and that showcases its customs. Although nothing in life happens by chance, this life project came into existence most unexpectedly. Gina had been working for Vogue in Mexico City for a few years when, on a holiday to visit her family, she decided not to return to the capital: “I was offered a job in one of the most beautiful hotels here, the Coqui Coqui, and for five years I was very close to Francesca, its owner and co-founder.” Gina had always harbored the desire to one day live in the center of Mérida, where part of her family already lived, so about four years ago she started looking for a house with Fernando. “The opportunity arose and we bought the first house, which is very small. Our original plan was to live in it,” she explains. Because they had a limited renovation budget, they ruled out any structural work or changing the ceilings, and they opted to recycle as much as possible. “Scraping the walls gave us this green color which, together with the floor that was also green, is so characteristic of the house,” Gina recounts. They both liked the combination of the two green surfaces and decided to make use of it. “When we finished the renovation, it was like ‘okay, I think it’s too small to live here’. So, to recoup our investment, we started renting it out. Three months before the pandemic struck, we were getting one booking after another.”
“I’ve always said that it made us very angry to see houses that had been almost completely stripped of their essence. Maybe our way of doing things is a bit extreme, but it worked out well for us, and we decided that we were going to apply that philosophy from then on”
The houses christened Ermita and Santa Ana followed shortly afterwards, and the same parameters were used for their remodeling. Somehow, that shabby green wall had determined the personality of Casa Vagantes, a project that today defines itself as “a community of travelers whose properties welcome avid lovers of imperfection and unique experiences”. Their way of understanding architecture and interior design, based on loyalty and respect, was so well received that Fernando left the architecture studio of which he was a partner in order to devote himself to all the projects that were coming in as a result of the impact that Casa Vagantes was having. In turn, Gina began to organically design the interiors, just as she had done in her own home. “My process is totally different from the traditional interior design process. I have a team that helps me with the technical part, but I work more on intuition, being on site and changing things up.” In the field, their actions are those of a surgeon or an art conservator. Project by project, Gina and Fernando seem to be acknowledging the work of architects and interior designers of the past: anonymous people who practiced at a time when both professions had more to do with craft and the need to build a cave for shelter than with that media-worthy and grandiloquent architecture that seems to shout ‘look at me’. “I always said that it made us very angry to see houses that had been almost completely stripped of their essence. Maybe our way of doing things is a bit extreme, but it worked out well for us, and we decided that we were going to apply that philosophy from then on.”
The project has now expanded to Izamal, Kantonyá and, perhaps soon, to Valladolid, but for Gina, there is something special about the first projects undertaken in Mérida: “In the downtown of the city, we have houses in Montejo, Santa Ana and Ermita Este, which are the main neighborhoods of the historic center. They each have a different history; they’re from different periods; and they also have different lives. La Ermita is a very lively neighborhood filled with locals. If you go out on a Sunday, you can see the residents playing in the park. Santa Ana has been taken over a bit by tourism, but there are still many businesses and offices there. And well, Montejo is, as they say, our Champs-Élysées.”
Gina’s ideals put her off the architectural boom that Mérida is experiencing, although she finds the prosperity that this sometimes brings to be a good thing: “I actually have a love-hate relationship with architecture. I feel like people are looking at local architects in a new light, and that’s a good thing. But society and the city’s growth... I think we’re moving a bit, not against the tide, but to one side.” She is aware of what the world sees in her city because she is also passionate about it: “I love living here. There are so many things... I mean, the beach is so close! There’s not as much to do as in Mexico City, but hey, there’s always plenty to create too. Things to discover.” After three years of working at a dizzying pace, a time in which they have been focusing on projects for clients, Gina is looking to go further with Vagantes. “We’ve actually grown quite a lot, considering that we started in 2020. We opened five houses in two years. That’s practically one every six months. My time now is devoted to the accommodation, to media exposure, to improving the business side. There are a thousand things I want to do because I feel it’s more of a lifestyle brand than anything else.”
After a full day’s immersion into Yucatán's history, we arrived in Mérida just as Caloncho’s chorus seemed to announce the end: “Somos instantes, un ratito nada más. Seres fugaces que vienen y se van [We are moments, just for a little while. Fleeting beings that come and go]”
Villa Petricor
AROMA
TERROSO
AROMA TERROSO
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Description text goes here
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La conservación de varios grupos de árboles existentes en la propiedad fue la idea que guió a CO-LAB a la hora de construir Villa Petricor, una vivienda de tres habitaciones abierta a un jardín tropical en Tulum.
Al otro lado de la calle, frente a la casa estudio de Luis Barragán en Ciudad de México, el arquitecto diseñó un jardín donde deleitarse con el cuidado y belleza de una vegetación que aún hoy, siete décadas después, parece crecer en libertad. La Casa Jardín 17 es una muestra del gusto, la maestría y la pasión de la cultura mexicana por el contacto con la naturaleza. Es el caso del estudio de arquitectura CO-LAB Design Office, para el que la conservación y puesta en alza de la exuberante selva de Yucatán es uno de los principales objetivos de su trabajo. Fundado en Tulum por Joana Gomes y Joshua Beck en 2010, la arquitectura es la herramienta con la que CO-LAB trata de hacer que la vida, en el más amplio sentido de la palabra, se abra paso. “Adoramos esa parte orgánica que evoluciona con el tiempo. Cuando la naturaleza abraza el edificio como si éste hubiera brotado de la misma tierra”.
“Combinar los métodos de construcción artesanales con el diseño moderno tiene un impacto positivo en la revitalización de algunas técnicas y conocimientos tradicionales”
Su último proyecto, Villa Petricor, se encuentra cuidadosamente posicionado para proteger varios grupos de árboles preexistentes en la zona. El jardín tropical que rodea y da privacidad a la villa es el telón de fondo de cada una de las estancias y mantiene una relación de mutuo respeto con la casa. La luz natural se cuela por los tragaluces a todos los rincones, prolongando la omnipresente vegetación gracias al juego de luces y sombras, y revelando el trabajo manual “perfectamente imperfecto” de los artesanos locales sobre el cemento pulido. Una colaboración de la que CO-LAB se siente especialmente orgulloso.
“Combinar los métodos de construcción artesanales con el diseño moderno tiene un impacto positivo en la revitalización de algunas técnicas y conocimientos tradicionales”. Su compromiso se refleja en la relación que mantiene con el entorno, empleando materiales locales y trabajando con artesanos. “Construimos priorizando la calidad y tratando de concienciar en la conservación y protección de los recursos naturales”.
El mobiliario y la decoración de Villa Petricor, cuyo diseño y fabricación firma el estudio de arquitectura, hace gala de dichos principios. La madera de cedro que compone el sofá es propiedad del carpintero que ayudó en su realización; y la piedra que cubre la mesa del comedor, la cocina y los baños, es una variante mexicana llamada Mármol Santo Tomás. Las formas arqueadas recorren toda la superficie interior creando una sensación de continuidad visual y ampliando visualmente el espacio. Arcos y curvas se encuentran en techos, puertas y ventanas. También en detalles de la decoración y el mobiliario como la isla central de la cocina, mesas, sillas, alfombras o lámparas. Los tonos color tierra del lino en los textiles, junto a la mezcla artesanal de pigmentos minerales en paredes y suelos, componen una atmósfera de serenidad y bienestar que CO-LAB identifica con el nombre de la villa: “Petricor, el aroma terroso que se produce cuando la lluvia cae sobre un terreno seco, evoca una renovación de la naturaleza para que las semillas de la vida, prevalezcan”.
Villa Petricor
AROMA
TERROSO
AROMA TERROSO
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This story was published just in the Spanish magazine Arquitectura y Diseño and it is just available in that language.
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Story about Villa Petricor project by CO-LAB studio based in Tulum for Arquitectura y Diseño magazine.
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La conservación de varios grupos de árboles existentes en la propiedad fue la idea que guió a CO-LAB a la hora de construir Villa Petricor, una vivienda de tres habitaciones abierta a un jardín tropical en Tulum.
Al otro lado de la calle, frente a la casa estudio de Luis Barragán en Ciudad de México, el arquitecto diseñó un jardín donde deleitarse con el cuidado y belleza de una vegetación que aún hoy, siete décadas después, parece crecer en libertad. La Casa Jardín 17 es una muestra del gusto, la maestría y la pasión de la cultura mexicana por el contacto con la naturaleza. Es el caso del estudio de arquitectura CO-LAB Design Office, para el que la conservación y puesta en alza de la exuberante selva de Yucatán es uno de los principales objetivos de su trabajo. Fundado en Tulum por Joana Gomes y Joshua Beck en 2010, la arquitectura es la herramienta con la que CO-LAB trata de hacer que la vida, en el más amplio sentido de la palabra, se abra paso. “Adoramos esa parte orgánica que evoluciona con el tiempo. Cuando la naturaleza abraza el edificio como si éste hubiera brotado de la misma tierra”.
“Combinar los métodos de construcción artesanales con el diseño moderno tiene un impacto positivo en la revitalización de algunas técnicas y conocimientos tradicionales”
Su último proyecto, Villa Petricor, se encuentra cuidadosamente posicionado para proteger varios grupos de árboles preexistentes en la zona. El jardín tropical que rodea y da privacidad a la villa es el telón de fondo de cada una de las estancias y mantiene una relación de mutuo respeto con la casa. La luz natural se cuela por los tragaluces a todos los rincones, prolongando la omnipresente vegetación gracias al juego de luces y sombras, y revelando el trabajo manual “perfectamente imperfecto” de los artesanos locales sobre el cemento pulido. Una colaboración de la que CO-LAB se siente especialmente orgulloso.
“Combinar los métodos de construcción artesanales con el diseño moderno tiene un impacto positivo en la revitalización de algunas técnicas y conocimientos tradicionales”. Su compromiso se refleja en la relación que mantiene con el entorno, empleando materiales locales y trabajando con artesanos. “Construimos priorizando la calidad y tratando de concienciar en la conservación y protección de los recursos naturales”.
El mobiliario y la decoración de Villa Petricor, cuyo diseño y fabricación firma el estudio de arquitectura, hace gala de dichos principios. La madera de cedro que compone el sofá es propiedad del carpintero que ayudó en su realización; y la piedra que cubre la mesa del comedor, la cocina y los baños, es una variante mexicana llamada Mármol Santo Tomás. Las formas arqueadas recorren toda la superficie interior creando una sensación de continuidad visual y ampliando visualmente el espacio. Arcos y curvas se encuentran en techos, puertas y ventanas. También en detalles de la decoración y el mobiliario como la isla central de la cocina, mesas, sillas, alfombras o lámparas. Los tonos color tierra del lino en los textiles, junto a la mezcla artesanal de pigmentos minerales en paredes y suelos, componen una atmósfera de serenidad y bienestar que CO-LAB identifica con el nombre de la villa: “Petricor, el aroma terroso que se produce cuando la lluvia cae sobre un terreno seco, evoca una renovación de la naturaleza para que las semillas de la vida, prevalezcan”.
CASA JOSEPHINE
WHAT THE HEART DECIDES
WHAT THE HEART DECIDES
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Interview to Pablo López Navarro of Casa Josephine.
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Photographed by por Mari Luz Vidal mariluzvidal.com
Casa Josephine casajosephine.com
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The most interesting things that happen to us in life are probably those for which there is no set plan; the things that happen when we let our hearts lead us. That is how Iñigo Aragón and Pablo López Navarro came to open a guest house in Sorzano, a village in the Spanish region of La Rioja, some fifteen years ago. “We wanted to combine our fields of experience: Iñigo’s as a designer, and mine as someone who had worked in tourism up until that time,” Pablo explains. “We searched everywhere in La Rioja, finally buying this house from an aunt of Iñigo’s grandmother.”
They called it Casa Josephine, in honor of its former owner. Decorating the house in their own taste, they allowed experimentation to guide them. Over time, Casa Josephine has turned into a business spanning many other aspects. The most important activity is the interior design studio, but the pair also have a shop in Madrid where you can find unique items, and a second, newly opened guest house in the province of Segovia.
This exercise in style, through which Pablo and Iñigo unabashedly expressed their ideas at the time – embodied by the house in Sorzano – became Casa Josephine's calling card in the world of interior design. “We had no experience at all in interior design. The only thing we did was buy furniture and create a house in the unique style we were able to achieve at the time: with good decorative solutions, colour and second-hand items. It’s good to know the theory and then be able to disregard it. We didn’t know that. We learnt it a little at a time and along the way. Actually, I believe not knowing the theory was helpful for us,” Pablo points out. That house was the project that put them in the spotlight, but for Pablo and Iñigo it belongs in the past. “It’s good because it continues to be fun, and it’s part of our story, but that's a closed book now.”
Their learning process is ongoing and is encapsulated in everything they undertake. “I look back and see that there’s a line, an artistic direction, which is Iñigo’s, and it can be seen from one project to another. But we’ve never started out from the same place. We’ve never wanted to do a house like the one before. We always focus on the client, on the space, and on what interests us at that moment in time.”
“For us, the process is the most important thing because it’s all about trial, error and learning.”
Fifteen years after making a name for themselves as a studio, Iñigo and Pablo’s way of working largely continues to be playful, with emotions at the heart of their particular discourse. “For us, the process is the most important thing because it’s all about trial, error and learning. It’s during the course of the project when we ask ourselves whether we’re doing a good job, whether we’re doing the best we can, or whether we could do a little bit more. We have a way of working that I believe is really different. Everything is a debate. Each decision. To a point where it loses its practicality,” Pablo jokes. “Although I don’t mean that if we knew how to do it in an easier way, the result would be worse.”
Iñigo and Pablo’s shared project came about long before it was called Josephine. They met while studying art history at the University of Valladolid, and once they had completed their studies, they moved to Madrid. Perhaps the seed for the creation of Casa Josephine stems from back then: “For five years, we held two pop-up shops a year at our home, one in spring, and the other before Christmas. The doors to their special open house were opened on nine occasions: “We'd decorate the space with new ideas, and everything was for sale.” Ultimately, a mini interior design project was created for each occasion. Their work was picked up by the media, and they gradually started receiving commissions. “Once we had a good number of projects, we set up the studio.”
They are now excited about focusing on designing furniture and household objects: “The idea came about out of necessity. Very often, we'd find that certain items didn't work in the space we were designing, so we started making them ourselves.” The ISÈRE rug and RUTE sofa are the first designs by Casa Josephine. “The new year is going to be the strongest year for product design. The idea is to sell in the shop and find retailers in other cities and countries.”
Despite being at a very good moment in terms of their career, Pablo cautiously and modestly eschews the condescending comments that stories like theirs often seem to elicit: “We aren't an example of how to do things from an economic point of view, or anything else of the kind. We’ve both taken a plunge into the pool, but it's our pool, and if failure is the result, then it'll be ours. That gives us the freedom that anybody who designs anything from scratch should have.”
That freedom is what makes Casa Josephine such a special project. A place where Pablo and Iñigo invite us to play, let ourselves go and discover how this is the way life – very gradually and naturally – shows us our place.
CASA JOSEPHINE
LO QUE DICTE EL CORAZÓN
LO QUE DICTE EL CORAZÓN
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Entrevista a Pablo López Navarro de Casa Josephine sobre el proyecto.
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Fotografiado por Mari Luz Vidal mariluzvidal.com
Casa Josephine casajosephine.com
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Probablemente las cosas más interesantes que nos pasan en la vida son aquellas para las que no tenemos un plan trazado. Aquello que sucede cuando nos dejamos llevar por lo que dicta el corazón. Así es como, siguiendo su impulso creativo, Iñigo Aragón y Pablo López Navarro abrieron una casa de huéspedes situada en Sorzano, un pequeño pueblo de La Rioja (España), hace ahora quince años. “Queríamos unir los campos en los que teníamos algo de experiencia. Iñigo como diseñador, y yo que había trabajado en turismo hasta ese momento”, explica Pablo. “Buscamos en toda La Rioja y finalmente compramos la casa a una tía de la abuela de Iñigo”.
Casa Josephine fue el nombre que, en alusión a su anterior propietaria, dieron al alojamiento. Una casa que decoraron a su gusto, dejándose llevar por la experimentación y que, con el tiempo, se ha convertido en una empresa que abarca muchos más aspectos. El estudio de diseño e interiorismo es la principal de sus actividades, pero además cuentan con una tienda situada en Madrid en la que encontrar piezas únicas y con una segunda casa de huéspedes recién inaugurada en Segovia.
“Para nosotros, el proceso es lo importante porque es ensayo, error y aprendizaje. Es durante el proceso donde pensamos si lo estamos haciendo bien, si estamos haciendo lo que podemos, o si podríamos hacer un poco más. ”
El ejercicio estilístico en Sorzano fue la presentación de Casa Josephine en el mundo del interiorismo, donde Pablo e Iñigo expresaron sin complejos sus inquietudes de aquel momento. “No teníamos ninguna experiencia como interioristas. Lo único que hicimos fue comprar muebles y crear una casa en el único estilo que por aquel entonces podíamos hacer: con buenas soluciones decorativas, color y objetos de segunda mano. Está bien conocer la teoría para luego poder saltártela. Nosotros no la sabíamos. La aprendimos poco a poco, en el camino. Y en realidad creo que no saberlo, nos benefició”, explica Pablo.
Dicha casa fue el proyecto que les dio a conocer, pero para Pablo e Iñigo forma parte del pasado. “Está bien porque sigue siendo divertido y es parte de nuestra historia, pero para nosotros es un capítulo cerrado”. Su aprendizaje es contínuo y se plasma en cada cosa que emprenden. “Miro atrás y veo que hay una línea, una dirección artística, que es la de Iñigo y se va notando de proyecto en proyecto, pero nunca hemos partido del mismo punto. Nunca hemos querido hacer una casa como la anterior. Siempre nos basamos en el cliente, en el espacio y en lo que nos está interesando en este momento”.
Quince años después de darse a conocer como estudio, la forma de trabajar de Iñigo y Pablo sigue siendo eminentemente lúdica, con las emociones en el centro de su particular discurso. “Para nosotros el proceso es lo importante porque es ensayo, error y aprendizaje. Es durante el proceso donde pensamos si lo estamos haciendo bien, si estamos haciendo lo que podemos, o si podríamos hacer un poco más. Tenemos una manera de trabajar que yo creo que es realmente distinta. Todo es un debate. Cada decisión. Hasta un punto poco práctico”, ríe Pablo. “Aunque no quiero decir que si lo supiéramos hacer de una manera más ligera, el resultado fuese peor”.
El proyecto común de ambos nació mucho antes de que llevara el nombre de Josephine. Se conocieron estudiando Historia del Arte en la Universidad de Valladolid y, una vez terminada la formación, se mudaron a Madrid. Quizá la semilla que dio en la creación de Casa Josephine se pueda situar aquí: “Durante cinco años, organizamos en nuestra casa dos pop-up-shops al año, en primavera y antes de Navidad”.
Su particular open house abrió las puertas hasta en nueve ocasiones: “Decorábamos el espacio con nuevas ideas y todo estaba a la venta”. Se trataba, al fin y al cabo, de un mini-proyecto de interiorismo creado para cada ocasión. Varios medios de comunicación recogieron su trabajo y, poco a poco, comenzaron a recibir encargos. “Cuando ya teníamos un número suficiente de proyectos que atender, nos establecimos como estudio”.
Sus nuevas ilusiones se centran ahora en el diseño de mobiliario y objetos para el hogar: “La idea nace de una necesidad. En muchas ocasiones, no encontrábamos todas las piezas que podrían encajar en el espacio que estábamos trabajando. Así que nos hemos lanzado a hacerlas nosotros mismos”. La alfombra ISÈRE, el sofá RUTE y la colección WEEKEND son los primeros diseños de la firma Casa Josephine. “Este 2023 va a ser el año más fuerte en diseño de producto. La idea es venderlo en la tienda y encontrar puntos de venta en otras ciudades y en otros países”.
A pesar de estar viviendo un muy buen momento profesional, con mucha cautela y humildad, Pablo se aleja de la condescendencia de los discursos que en ocasiones parecen transmitir historias como la suya: “Nosotros no somos ningún ejemplo de cómo hacer las cosas desde un punto de vista económico ni nada por el estilo. Nos hemos lanzado los dos a la piscina, pero la piscina es nuestra y el fracaso, si sucede, será nuestro. Eso nos da una libertad que cualquier persona que crea algo desde cero debería tener”.
Y es precisamente esa libertad la que hace de Casa Josephine un proyecto diferente. Un lugar donde Pablo e Iñigo nos invitan a jugar y a comprobar cómo, dejándonos llevar, la vida nos acaba colocando en nuestro lugar.